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2012 (Roland Emmerich 2009)
We Were Warned, Eppure Fummo Avvisati, Tutti. Stavolta le locandine hanno voluto assumersi una funzione nobile e protettiva, pregandoci in tutte lingue di ricordare che Emmerich ci ha già lavorato ai fianchi, con le navi spaziali, l’Egitto, le tigri coi denti a sciabola, i grossi ragni, l’enorme lucertola, le inondazioni, ed è sempre scappato col malloppo, senza dare niente in cambio. È la storia di un cleptomane. Ed è una storia vecchia quanto il cinema, Nous Étions Prévenus! 1896: “Dai, andiamo a vedere L’arrivo di un treno alla stazione di La Ciotat” “No, guarda, ho già visto L’uscita dalle Officine Lumière, queste cose non mi sorprendono più” ”Ci ingozziamo di baguette con crema chatilly e paté de fois gras” ”Allora oui, purché i due alimenti siano liberi di mescolarsi”. E così, con un cestello pieno di pop-corn ed m&m’s, in un multisala dall’aria stantia, satura di fonzies e di pensieri intrattenuti, ci si ritrova ad ignorare gli avvertimenti di un manifesto avveduto.Si parte dal 2010, e da lì a poco il mondo comincerà a vomitarsi addosso. La colpa è dei neutrini, com’è, del resto, per la maggior parte dei dispiaceri che interessano la vita.
Arriva il 2012, e quel che detesto di Emmerich è che non racconta mai il mondo che finisce, ma la famigliola e le persone che si salvano; non gli importa della città che collassa e dei grattacieli che si accasciano uno sull’altro, ma dell’aeroplanino che ci sguscia attraverso. La fine del mondo è un tema spettacolare ma potenzialmente sconveniente, offre la giusta scenografia ma va minimizzato in modo da essere accessorio al concetto edificante e digestivo della bontà intrinseca alle genti, che nella distruzione scoprono l’istinto e la forza di immolarsi in nome dei propri affetti e ideali. Questo per quanto riguarda i protagonisti, che uno ad uno trovano la redenzione; tutti gli altri, le folle oceaniche, hanno la dignità dei lemming, una massa lontanissima e indistinta che suscita le stesse emozioni del destino di un formicaio. E non fate l’errore d’aspettarvi qualcosa da John Cusack o dai suoi colleghi più prossimi, perché loro parleranno per ore, ma la produzione ha investito nella scrittura quanto serve per una 127 digitale con la gomma a terra. Così sarete lì, ad invocare che la terra si apra e il fuoco bruci e l’acqua sommerga, mentre Presidenti su Presidenti mostreranno la loro umanità e integrità, la bassa manovalanza continuerà stolidamente a svolgere il proprio lavoro anche, letteralmente, con l’acqua alla gola, Woody Harrelson avrà lo sguardo di chi si ostina a negarsi un sano senso di colpa, e famiglie americane troveranno nella tragedia la forza dell’unità e dell’amore.
(2/5)
Nel lungo periodo saremo tutti morti (J. M. Keynes).
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 17:02 | link | commenti (10)
categorie: cinema, - azione, - drammatico, - fantastico, emmerich roland
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I Guardiani del Giorno (Timur Bekmambetov 2007)
I Guardiani della Notte, che non m'era dispiaciuto, risale a cinque anni fa, e forse anche questo non ha aiutato nella visione de I Guardiani del Giorno, film a bassissimo tasso di comprensibilità. C’è una quantità di esseri sovrannaturali divisi in fazioni, bloccati da una tregua, tutti sono un po’ buoni e un po’ cattivi, si conoscono fra loro, fanno cose, vedono gente. Bekmambetov riesce anche qui a costruire alcune scene (non tantissime, per la verità) piuttosto affascinati, per colori e dinamismo: c’è una certa passione per la frantumazione e i toni plumbei che è da apprezzare; poi, però, ci sono decine di scene in ralenti esasperante, storie e monologhi che trovano una (parziale) giustificazione solo nel finale (una soluzione che, fra l’altro, credo d’aver avvertito come demenziale e semplicistica, rispetto al casino fatto fin lì), ma nelle due ore precedenti è difficile non disinteressarsi al tutto.Qualche colpo di testa Tim lo fa quando manda un’auto a correre verticale sulla parete di un grattacielo, o quando deforma come plastilina le facce prese a pugni, queste sono le cose più vicine all’ironia e al divertimento, mentre, quando Tim si butta sul verbale o sulla gag fisica, è un po’ come stare a vedere un elefante alle prese con l’origami. A questo aggiungi che tutto ruota attorno ad un gessetto che è però il Gesso del Fato, che c’è la finezza di una tizia vestita tutta di rosso con due ciuffi sulla testa a forma di corna (quella della rozzissima locandina, che, se l'avessi vista prima, piuttosto avrei impiegato la serata a mettere i calzini in ordine alfabetico), che viene fatto il primo piano di un cellulare che squilla e il nome che compare è ZAVULON (e non è mai bello quando in un film, ma anche nella vita reale, succede questo), e ti renderai conto che Wanted al confronto era un'opera delicata e raffinata.
(2/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 14:34 | link | commenti (11)
categorie: cinema, - azione, - fantastico, bekmambetov timur
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Minima immoralia.
Il prossimo Boyle sarà 127 Ore, e racconterà la storia di Aaron Ralston, alpinista americano, bloccato in quota da un masso che gli schiaccia un braccio. Dopo cinque giorni, si libera tagliandoselo via. Lo staff è lo stesso di Millionaire, e sta considerando la possibilità di chiudere il film col Ballo di Simone.
...batti in aria le mani
e poi falle vibrar...
Intanto il mondo si rivolta come un guanto in 2012 di Emmerich. M'ha sempre dato l'idea di uno che scappa coi soldi, che ti adesca con gli oggetti che si distruggono e poi ti tramortisce con le persone che parlano, preferibilmente Presidenti degli Stati Uniti. Pare non volesse fare un altro catastrofico finché, per venire incontro alle sue esigenze etiche, gli hanno offerto un pacco di quattrini, più un incentivo in nero, sempre consistente in quattrini. Non è neanche antipatico, Roland, che intervistato ha dichiarato che Berlusconi sarebbe il primo a scappare, e che lui (cioè Emmerich) non sarebbe nè avvertito nè salvato, perché non abbastanza ricco, non quanto Spielberg. Nonostante questo si narra che il film sia, rispetto alle aspettative, adeguatamente brutto.
E poi, c'è questo monologo di Celestini, che è Eccellente.
...batti in aria le mani
e poi falle vibrar...
Intanto il mondo si rivolta come un guanto in 2012 di Emmerich. M'ha sempre dato l'idea di uno che scappa coi soldi, che ti adesca con gli oggetti che si distruggono e poi ti tramortisce con le persone che parlano, preferibilmente Presidenti degli Stati Uniti. Pare non volesse fare un altro catastrofico finché, per venire incontro alle sue esigenze etiche, gli hanno offerto un pacco di quattrini, più un incentivo in nero, sempre consistente in quattrini. Non è neanche antipatico, Roland, che intervistato ha dichiarato che Berlusconi sarebbe il primo a scappare, e che lui (cioè Emmerich) non sarebbe nè avvertito nè salvato, perché non abbastanza ricco, non quanto Spielberg. Nonostante questo si narra che il film sia, rispetto alle aspettative, adeguatamente brutto.
E poi, c'è questo monologo di Celestini, che è Eccellente.
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 13:04 | link | commenti (5)
categorie: cinema, - video, boyle peter, - minima immoralia, emmerich roland
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Il Nastro Bianco (Michael Haneke 2009)
1913, Germania, nella comunità rurale di Eichwald l’impassibile facciata algida e moralista comincia ad incrinarsi, sotto la pressione dei suoi orrori interiori. Si avvertono i prodromi della guerra che verrà a breve e di quella futura, che sarà alimentata da quelli che sono ancora bambini, ma mostrano già l’incancrenirsi delle colpe dei padri.La freddezza che si avverte in Haneke non è solo nei suoi film, nel rapporto degli stessi col pubblico, ma anche nell’approccio del regista alla costruzione della sua opera. Un film può essere freddo, ma al tempo stesso lasciar intendere la partecipazione dell’autore; Haneke, al contrario, suggerisce una consapevolezza totale e, per chi volesse giudicarla tale, eccessiva, nei confronti del suo lavoro, sempre radicalmente teorico. I film del regista mettono in scena le scelte più adeguate per la rappresentazione di concetti determinati, secondo un rapporto di corrispondenza assoluto che, da un parte, esalta la qualità dello studio, dall’altra evidenzia l’inevitabile alterità del regista rispetto a dei modelli e delle idee già codificati, e quindi dotati di forza autonoma. In altre parole, il cinema di Haneke è freddo perché rappresenta gli oggetti del suo studio, che sono necessariamente cosa diversa da Haneke, che di fatto non conosciamo, neanche attraverso il filtro della fruizione artistica.
Spesso ho trovato l’opera del regista tedesco eccessivamente presuntuosa, nell’adulazione dello spettatore che volesse risalire, attraverso gli indizi dell’autore, a un’incisività del messaggio più supposta che effettiva. È sulla forza del messaggio, che ho avuto dubbi, non sulla sussistenza dello stesso, che è sempre palese. Il Nastro Bianco, pur conservando le caratteristiche dei film precedenti si adatta, finalmente, ad accoglierne ed esaltarne la funzione. L’antinarratività implicita nei suoi “enigmi" senza soluzione né dimensione, trova qui la giustificazione nella maggiore importanza della negazione dell’esistenza del male, e quindi la sua accettazione, rispetto all’espressione contingente del male stesso. Quando è l’enigma ad essere il soggetto, e quindi la soluzione a se stesso, non è necessario maggiore approfondimento né esplicitazione.
Haneke mostra il deterioramento morale delle famiglie più prestigiose del paese (quelle del barone, del medico e della guida spirituale, il pastore protestante), quindi dell’intero paese, quindi della nazione. Insinua l’ossessione per la purezza con cui vengono marchiate le nuove generazioni, la deresponsabilizzazione che comporta l’accettazione diffusa del crimine, le pressioni autoritarie e religiose. Per fare questo, racconta attraverso fuori campo e monologhi feroci che sono nel film vere esplosioni di violenza, esasperata dal peso della sua normalità; attraverso i volti resi lividi ed esangui dal bianco e nero; il bianco che investe i campi di grano, in immagini che hanno, finalmente, qualcosa del dolore e del rimorso.
(4/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 14:41 | link | commenti (22)
categorie: cinema, - drammatico, haneke michael, - storico
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Freedom Project (Shuhei Morita 2006), Samurai Champloo (Shinichiro Watanabe 2004)
Freedom Project è un oav (cioè un anime che nasce per l’home video) diretto da Shuhei Morita (cioè l’autore di Kakurenbo, 24 minuti di incubi infantili, demoni tradizionali e nichilismi universali), che riprende i personaggi di Akira, avvalendosi di Otomo (cioè un tipo che a muoversi ci mette almeno dieci anni, però poi capisci perché) nelle vesti di character designer. Si comincia, come si conviene, con gare motociclistiche, si scopre di essere sulla luna perché la terra si sente uno straccio, si viaggia dalla luna alla terra in cerca dell’amore. Storia d’amicizia, ecologia, fratellanza e sentimento, dalla quale m’aspettavo qualcosa in più. Strutturato in sette puntate di venti minuti, di cui l’ultima doppia, dura quindi poco più di un film medio e poco meno di un finale di un film di Spielberg. Nonostante questo, si prova a mettere un accento in ogni puntata, frammentando la storia in aneddoti compressi e a volte prescindibili, invece di cercare un intreccio più disteso con i soliti tre picchi di tensione nel principio-mezzo-fine. A questo va aggiunto che, pur essendo una serie sostanzialmente d’azione, nessuno è veramente cattivo e nessuno rischia più di tanto, il che un po’ ammoscia, e l’ampio uso del computer, nelle frequenti fughe e inseguimenti come nei movimenti dei singoli personaggi, è settato in modo da rendere tutto un po’ più lento di quanto ci si aspetti. Non mancano neanche i richiami diretti agli scontri fra Tetsuo e Kaneda: i loro omologhi si urlano in faccia, si sputano e si tirano i capelli, però in Akira Tetsuo diventava un orrendo incontrollato mostro di carne nucleare, qui tutti rispettano i confini del proprio corpo e, neanche troppo sotto sotto, si amano alla follia. Si lascia vedere, per carità, però…
Samurai Champloo, invece, conta 26 episodi, anche questi di 20 minuti ciascuno, sigle escluse. È legato agli autori dell’indimenticato Cowboy Bebop, buona serie con un gran finale, è ambientato nel Giappone medievale, contaminato con hip hop e altri elementi occidentali anacronisticamente recenti. Due samurai, uno rozzo e maledetto, l’altro più raffinato e taciturno alla Goemon, assieme ad una ragazza, attraversano lentamente il Giappone per arrivare a Nagasaki. L’anime parte violento, divertente e movimentato (davvero belle le prime 3-4 puntate), poi si catechizza per lasciare spazio solo saltuariamente a scene notevoli e cattive, che portano in primo piano una colonna sonora di soli rullanti. Per il resto, in ogni puntata si racconta la storia di un personaggio secondario, che viene in contatto col trio per poi sparire, e nel frattempo si alimenta il mistero sui protagonisti e si incrociano elementi come la pittura di Van Gogh o il baseball americano, riportando su tutto la supremazia nipponica. Prendendo solo la manciata di episodi cardine, ne uscirebbe fuori un bel film d’animazione, nella totalità tiene svegli solo a tratti.Freedom Project: 3/5
Samurai Champloo: 3,5/5
Degli amici salgo in spalla / La vita è una lotta spalla a spalla / Ma ho trovato in te il Giappone / Sì ho il trovato in te il Giappone (Elio e le Storie Tese).
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 17:05 | link | commenti (4)
categorie: - fantascienza, - video, - animazione, - azione, - estremoriente, - serie, morita shuhei, morita shuhei, watanabe shinichiro
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The Limits of Control (Jim Jarmusch 2009)
I personaggi dei film di Jarmusch non hanno semplicemente un nome, quanto delle indicazioni su quello che è il proprio ruolo, la personalità, e, più ancora, il proprio destino. William Blake (il cui nome alternativo è nel titolo del film), Ghost Dog, Don Johnston (che in tv guarda Don Giovanni), ma anche la ragazzina Lolita, sono gli epiteti che il regista sceneggiatore adopera per scoprire il proprio gioco e creare la sua epica che si basa sull’inafferrabilità delle cose semplici, che si possono vedere, replicare, ma non possedere completamente. Perché si tratta di gesti, oggetti, atti che, nel loro essere comuni, assumono sempre significati differenti, da persona a persona e da attimo in attimo per ogni persona. Con The Limits of Control l’autore dà indicazioni altrettanto esplicite, scegliendo di privare del tutto i personaggi dei loro nomi. L’uomo solitario, la bionda, la donna nuda, l’Americano, l’uomo col violino e quello con la chitarra, smettono di essere (e di essere solo) veri e propri personaggi, per diventare delle figure, catturate nel mezzo di un intreccio che non può più essere spiegato.
One look in his eye / Everyone denies / Ever having met him.* Isaach De Bankolé, lone man, segue degli indizi che lo portano, ad incontrare diverse persone, fra Madrid e Siviglia, a scambiarsi indizi, oggetti misteriosi e dialoghi sospesi. Durante uno di questi incontri Tilda Swinton, blonde, parla della capacità dei film di ricordare il mondo e di confonderlo col sogno, dando la cifra di quella che è la sensazione ricercata da Jarmusch. L'autore vuole creare un mondo onirico, del quale non è dato conoscere i confini precisi, nè i limiti o le effettive differenze, in una raffigurazione profondamente connessa al reale e al concreto, legata ad architetture, quadri e citazioni utilizzate come testimonianze lontane del mondo "nostro". Il film e il suo protagonista vogliono essere sfuggenti, subito dimenticati, per confondersi con le sensazioni reali e diventare una di loro. È come se il regista avesse costruito tutte le sue opere in modo da poter poi privare di ogni cosa The Limits of Control, che non è un film vuoto, ma svuotato, ed ogni mancanza richiama quel che sarebbe potuto essere: è Dead Man senza i suoi duelli già desaturati, Ghost Dog senza codice, Coffee and Cigarettes senza la sua chiusura tematica e spaziale. E in queste mancanze, questi sottintesi, il regista sa regalare al suo nuovo cinema un’identità forte.
[Il prossimo paragrafo potrebbe non piacere ai più sensibili agli spoiler, per quanto questo concetto abbia un valore relativo, rispetto a questo film.]
He once killed a man with a guitar string.* Bankolé si nutre esclusivamente di due espressi in tazze separate, non dorme, non parla se non è strettamente necessario, è egli stesso il controllo, e questo gli consente di non avere limite. Il film può essere letto in tanti modi, anche come un suo viaggio esclusivamente interiore, ma, comunque la si voglia mettere, saremo sempre di fronte ad un mosaico di cui è dato vedere solo un tassello per volta.
Ogni suo nuovo incontro è preceduto da una visita al museo, e un quadro gli descriverà le caratteristiche del suo contatto. Durante la sua ultima visita, lone man contempla un quadro coperto da un telo bianco, forse per ritrovare la sua libertà, forse semplicemente per il sollievo di non doversi più raccontare al nostro sguardo.
The Limits of Control è un film sulla percezione, della realtà (splendidamente fotografata da Chris Doyle, che riesce a ghiacciare i toni caldi delle location), di quel che la influenza, dell’altro, dell’arte, delle cose inutili, di quello che si vede dal finestrino di un treno, costruito dando massimo spazio a tutte le idee e le suggestioni presenti negli altri film del regista, comprimendo e mutilando la linea narrativa, ma conservando quel tocco che fa di Jarmusch un regista non di ossessioni, ma di impressioni ed intuizioni, che ha saputo mettere il proprio nome sui temi e le visioni di Antonioni o di Wenders (il quale, fra l’altro, si era avvicinato al lavoro dell'“allievo” con Non Bussare alla mia Porta), conservando e perfezionando il tocco della sua ironia e delle sue figure.
*All’inizio degli anni ’90 Jim Jarmusch e Tom Waits fondano il club The Sons of Lee Marvin (pare ne siano membri anche Nick Cave e Iggy Pop...), con lo scopo di riunirsi per vedere i film dell’attore, e associata al club è la canzone Black Wings (dalla quale sono tratti i versi), cupa e polverosa ballata su un assassino, che sembra fornire alcuni spunti e atmosfere a The Limits of Control.
Ma quando esce, in Italia, The Limits of Control? Si parla di febbraio 2010 per la Mikado, ma sono fonti ufficiose.
(5/5)
She's got one magic trick / Just one and that's it / Ooh... She disappears (M. Ward).
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 23:04 | link | commenti (9)
categorie: cinema, jarmusch jim, - altrocinema, - drammatico
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La Battaglia dei Tre Regni (John Woo 2009)
Il film è tratto dal Romanzo dei Tre Regni, scritto nel XIV secolo, che racconta la guerra del III secolo fra il regno di Wei del nord e l’alleanza fra Wu e Shu, potenze del sud coalizzatesi per fronteggiare il progetto d’unificazione della Cina sotto un unico imperatore. In una scena di Mezzogiorno e mezzo di Fuoco Mongo, dopo aver parcheggiato il suo bue in sosta vietata, stende con un pugno il cavallo di un tizio che gli contesta la manovra. Solo ne La Battaglia dei Tre Regni ho visto una cosa simile, quando un soldato grosso e brutto, durante il primo scontro fra l’esercito del Nord e quelli del Sud, esce di corsa dalle fila del suo schieramento e abbatte un altro cavallo con una spallata. L’ho trovato estremamente divertente. Tutta la scena in cui si vede una formazione bellica a testuggine che funziona come un meccanismo perfetto, una macelleria di lance, spade e rampini nascosta in un labirinto umano, è piuttosto divertente. In realtà il film non vuole mai esserlo, divertente, ma sicuramente è cosciente nel caricare fino all’assurdo le lunghe e complesse scene d’azione. A fare da contorno alle stesse, però, le più trite raffigurazioni di laconica saggezza cinese e una manciata di personaggi scontornati attraverso aneddoti più o meno edificanti, a seconda del ruolo. E arrivati all’ultima, grossa parte del film, interamente occupata dalla battaglia di Red Cliff, non è facile sentirsi ancora tanto divertiti, né particolarmente motivati.
Red Cliff riporta la magniloquenza melodrammatica di John Woo, stavolta particolarmente patinata, senza accostarsi, come pure avevo sperato, alla fisicità e alla polvere di Tsui Hark. Il paradosso è nella sensazione d’aver visto un kolossal che vuole cibarsi d’epica, che alla fine lascia il ricordo poco significante di un film piccolo.
(3/5)
"Grande è la confusione sotto il cielo. La situazione è eccellente" (Mao).
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 10:30 | link | commenti (5)
categorie: - estremoriente, - guerra, - storico
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Nel Paese delle Creature Selvagge (Spike Jonze 2009)
Questo di Jonze è un film per l’essere umano, colto in qualsiasi momento o età della vita, messo davanti a uno schermo faccia a facciona con le proprie creature selvagge. Il circa dodicenne Max, bambino vivace con retrogusto malinconico, come sa essere il suo film, scappa di casa, attraversa un oceano con una barchetta a vela, e approda nel Paese delle Creature Selvagge. I grossi mostri proteggono Max con la loro incredibile mole pelosa, lo osservano con enormi occhi marroni, giocano con lui, a volte lo spaventano con zanne e artigli. Sono al tempo stesso il mondo interiore e le pressioni esterne di Max, e il bambino trova in loro le proprie insicurezze e il coraggio di affrontarle, l’impulso a guardare anche fuori di sé, senza smettere di sognare.
Jonze trasmette tutto questo realizzando un’opera intensa e coinvolgente, evitandole d'essere banale o dolciastra. È un film di crescita e maturazione, di arricchimento dell’età infantile, che, d'altra parte, sa anche far ricordare e rivalutare istinti e bisogni tralasciati per conformismo ed eccesso di razionalità, segnando una mancanza nella vita adulta. Spike Jonze e il cosceneggiatore Dave Eggers recuperano fin nei dettagli la particolarissima iconografia del libro per bambini di Maurice Sendak (Where the Wild Things Are, poco meno di mezza pagina di testo e le illustrazioni che creano un mondo), ne rispettano lo spirito riuscendo ad ampliarlo fino a renderlo una storia di certo più articolata, ma semplice e significativa, calda come una capanna e misteriosa come la foresta che la ospita. È un viaggio interiore profondamente fisico e reale, dove il gioco, anche violento, porta allo scontro e alla conoscenza degli altri, dove ad ogni mostro viene regalata una personalità e una 
funzione definita, rendendoli innocenti ma non innocui. È un film che vale soprattutto nella sua totalità, che leviga gli accenti caratteristici delle fiabe per andare più sotto pelle, per creare immagini e sensazioni. In una luce quasi sempre crepuscolare, una luce calda che si amalgama ai colori della terra, dei tronchi d’albero e del deserto, si stagliano all’orizzonte le assurde siluette delle Creature, ingombranti maschere che trovano la loro espressività nella computer grafica che anima perfettamente i loro volti. A soli 39 anni, dopo essersi confrontato con script celebri quanto contorti, Spike Jonze ha trovato in una sceneggiatura più semplice e lineare l’occasione per mostrare il suo lavoro migliore.
(4/5)
I don't wanna be a good boy scout / I don't wanna have to learn to count / I don't wanna have the biggest amount / I don't wanna grow up (T. Waits).
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 18:51 | link | commenti (18)
categorie: cinema, jonze spike, - fantastico
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Tulpan - la ragazza che non c'era (Sergei Dvortsevoy 2008)
Tulpan racconta la vita dei pastori kazaki, padroni e prigionieri del deserto, mentre cercano moglie (la sfuggente Tulpan, che non ama le orecchie a sventola del protagonista e aspirante marito), affrontano un’inattesa mortalità delle pecore, intonano con voce acuta canti tradizionali, sognano il mare. Tutto è ruvido, nel deserto kazako, la sabbia mossa dal vento in improvvisi mulinelli, che va a insinuarsi nel vello delle pecore, che sicuramente darà maglioni kazaki a loro volta maledettamente ruvidi. L’erba della steppa è sbiadita e pungente, le balle di fieno polverose, e quel che c’è da mangiare è inevitabilmente formaggio di pecora. Non è precisamente un film kazako, Tulpan, quanto piuttosto un film kazako per i festival internazionali, e possibilmente per il mercato estero. Dove può piacere, questa storia senza guizzi che si interroga sbrigativamente sull’opportunità di restare nella steppa o cercare fortuna in città, e si dilunga sui dettagli di una pecora che sgrava, e un agnello a cui va fatta la respirazione bocca a bocca. La scena più forte del film è, per molti, un evento solito e naturale, mentre il regista, bravo a mostrare la sua terra, i suoi colori e le sue piccole vicende, sa che per noi non è così.(3,5/5)
"Sono Comacchiese di Comacchio""Mangerai le anguille, quindi""Praticamente tutti i giorni" (A. Pazienza).
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 23:49 | link | commenti (8)
categorie: cinema, - altrocinema, - commedia, - documentario, - drammatico, dvortsevoy sergei
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Serialmente
Si dice ormai da tempo che le serie televisive siano spesso più curate dei film da cinema. È sicuramente vero che i nuovi telefilm hanno più pretese: sono ancora grossi meccanismi d’intrattenimento, ma ognuno cerca uno stile specifico, molti rincorrono scene registicamente originali, alcuni si impegnano in sceneggiature complesse con radicali cambi di registro e sforzi inventivi autentici.
Prima di scrivere quelle due parole sulle serie attualmente in masticazione, un paio di anime già digeriti, che mi sono piaciuti anche parecchio.
Ergo Proxy, Shukō Murase 2006, è un’anime di fantascienza in 23 episodi. È una di quelle cose complicate a base di cyborg che discettano sulla propria coscienza, memorie che spariscono, immortalità dubbie, regimi teocratici, amori e apocalissi. In alcuni temi ricorda Last Exile, anche se ha un andamento più cupo e un animo più speculativo. Molte delle puntate di Ergo Proxy hanno origine onirica, il che permette di giocare sulla confusione dei piani e sul riferimento a generi diversi, a seconda del personaggio e dalle circostanze da cui nascono i sogni. Ci sono episodi più strettamente sci-fi, altri che s’ispirano all’horror classico, o al minimalismo paranoico, alle fiabe, al mondo televisivo, ecc. Denso di rimandi interni ed esterni, non sempre tutto è chiaro; ne raccomandano almeno una seconda visione, ma neanche si può stare sei mesi a vedere solo Ergo Proxy, saltando avanti e indietro per le puntate. Comunque, dove si perde qualche passaggio si può lavorare di fantasia o far finta di niente, l’esperienza vale comunque la pena. (4/5)
Paranoia Agent è la serie di Satoshi Kon del 2004, in 13 agili puntate. Anche questa una storia abbastanza inquietante e contorta, dove s’indaga, in un mondo sempre meno reale, su un ragazzo sui rollerblade che colpisce con una mazza da baseball le persone disperate e depresse. Detta così, sembra un po’ una cazzata. Invece, come sappiamo, Kon ci sa fare, ed il suo scopo principale è la rappresentazione dell’alienazione del cittadino medio di Tokyo (e del cittadino consumista in generale), l’avvicinarsi a personaggi diversamente esasperati o dediti ad efferatezze. Non mancano alcune puntate deboli, che all’interno di una serie così breve si sarebbero potute evitare, e anche la soluzione finale è forse discutibile, nel cercare una logica e una concretezza che mette in discussione l’assurdità ricercata fino a quel momento, ma nel complesso è un lavoro particolare ed efficace. (3,5/5)
Andiamo alle serie vere e proprie, quelle che impazzano nel nostro occidente bisognoso di svago. Quasi tutte nuove di pacca.
Bored to Death è una cosa che in teoria dovrebbe piacermi parecchio. Ha un tono un po’ freddo, un andamento un po’ snob, e parla di Jason Schwartzman che fa lo scrittore o il detective con uguale mancanza di consapevolezza. E nel terzo episodio c’è un reiterato cameo di Jarmusch, che interpreta se stesso. Questo episodio lo conservo, e vedere Jim è sempre bello, però il tutto è molto meno interessante di quanto dovrebbe. Forse troppo meta meta. Forse Schwartzman a vederselo sempre davanti che fa il Woody Allen, stanca. Forse questo telefilm ispira troppi forse. (2,5/5)
Mad Men. L’inizio della terza serie è folgorante. Molto sottile, molto psicologica. Adesso sta tornando un po’ indietro. (3,5/5)
Alla Fine Arriva Mamma. So che esiste da parecchio, io lo vedo adesso. Pubblicizzato come il nuovo Friends, l’accostamento ci sta tutto. Una puntata ottima più o meno ogni cinque non malaccio, e la struttura di base è così
fissa che non riesco a immaginare come possano proporla per cinque stagioni. Forse semplicemente ricorrendo alla mancanza di scrupoli. Comunque, sono quelle cose autoconclusive anni ’90, con battute umane e divertenti, che se cerchi qualcosa di leggero è di certo la formula migliore. (3,5/5)
Stessa strada battuta da Accidentally on Purpose, con Jenna Elfman critica cinematografica (ma non è che questo dettaglio sia molto sfruttato) ingravidata da un tizio più giovane. Il lavoro migliore lo fanno i personaggi secondari. (3/5)
Glee. Sul coro di un liceo americano. Tanti personaggi, molti ben fatti, si segue molto la storia, che non teme la riproposizione di cliché, si sorride, la qualità della puntata dipende principalmente da quella delle performance interne di canto e ballo. (3,5/5)
Big Bang Theory. La vita di due nerd ossessionati dalle risate finte che scoppiano automaticamente ogni quattro secondi. (2/5)
Flash Forward. Pubblicizzato come il telefilm che impedirà il suicidio agli orfani di Lost, andando così in aperto conflitto con le più avvedute teorie darwiniste. Tutto il mondo sviene per 2 minuti e diciassette secondi, con inevitabili catastrofi annesse (aerei che si schiantano, uova pensate alla coque che passano irrimediabilmente a sode, e cose così), e durante il black out ciascuno ha la propria esperienza di quel che starà facendo sei mesi dopo, per quei due minuti e rotti. In realtà, se l’Uomo si vedesse in una determinata porzione di futuro e poi dovesse aspettare l’arrivo della stessa, tre quarti della popolazione mondiale avrebbe dovuto scoprirsi a fare ciao mamma, molti a guardarsi nervosamente le punte delle scarpe aspettando che il momento finisca, un nutrito gruppo per l’occasione si farebbe trovare vestito da Neo di Matrix per fare il figo. Paradossi a parte, anche se il meccanismo non è ancora chiaro, Flash Forward sembra meno ingessato di quanto facesse temere. (3,5/5)
Prima di scrivere quelle due parole sulle serie attualmente in masticazione, un paio di anime già digeriti, che mi sono piaciuti anche parecchio.
Ergo Proxy, Shukō Murase 2006, è un’anime di fantascienza in 23 episodi. È una di quelle cose complicate a base di cyborg che discettano sulla propria coscienza, memorie che spariscono, immortalità dubbie, regimi teocratici, amori e apocalissi. In alcuni temi ricorda Last Exile, anche se ha un andamento più cupo e un animo più speculativo. Molte delle puntate di Ergo Proxy hanno origine onirica, il che permette di giocare sulla confusione dei piani e sul riferimento a generi diversi, a seconda del personaggio e dalle circostanze da cui nascono i sogni. Ci sono episodi più strettamente sci-fi, altri che s’ispirano all’horror classico, o al minimalismo paranoico, alle fiabe, al mondo televisivo, ecc. Denso di rimandi interni ed esterni, non sempre tutto è chiaro; ne raccomandano almeno una seconda visione, ma neanche si può stare sei mesi a vedere solo Ergo Proxy, saltando avanti e indietro per le puntate. Comunque, dove si perde qualche passaggio si può lavorare di fantasia o far finta di niente, l’esperienza vale comunque la pena. (4/5)Paranoia Agent è la serie di Satoshi Kon del 2004, in 13 agili puntate. Anche questa una storia abbastanza inquietante e contorta, dove s’indaga, in un mondo sempre meno reale, su un ragazzo sui rollerblade che colpisce con una mazza da baseball le persone disperate e depresse. Detta così, sembra un po’ una cazzata. Invece, come sappiamo, Kon ci sa fare, ed il suo scopo principale è la rappresentazione dell’alienazione del cittadino medio di Tokyo (e del cittadino consumista in generale), l’avvicinarsi a personaggi diversamente esasperati o dediti ad efferatezze. Non mancano alcune puntate deboli, che all’interno di una serie così breve si sarebbero potute evitare, e anche la soluzione finale è forse discutibile, nel cercare una logica e una concretezza che mette in discussione l’assurdità ricercata fino a quel momento, ma nel complesso è un lavoro particolare ed efficace. (3,5/5)Andiamo alle serie vere e proprie, quelle che impazzano nel nostro occidente bisognoso di svago. Quasi tutte nuove di pacca.
Bored to Death è una cosa che in teoria dovrebbe piacermi parecchio. Ha un tono un po’ freddo, un andamento un po’ snob, e parla di Jason Schwartzman che fa lo scrittore o il detective con uguale mancanza di consapevolezza. E nel terzo episodio c’è un reiterato cameo di Jarmusch, che interpreta se stesso. Questo episodio lo conservo, e vedere Jim è sempre bello, però il tutto è molto meno interessante di quanto dovrebbe. Forse troppo meta meta. Forse Schwartzman a vederselo sempre davanti che fa il Woody Allen, stanca. Forse questo telefilm ispira troppi forse. (2,5/5)Mad Men. L’inizio della terza serie è folgorante. Molto sottile, molto psicologica. Adesso sta tornando un po’ indietro. (3,5/5)
Alla Fine Arriva Mamma. So che esiste da parecchio, io lo vedo adesso. Pubblicizzato come il nuovo Friends, l’accostamento ci sta tutto. Una puntata ottima più o meno ogni cinque non malaccio, e la struttura di base è così
fissa che non riesco a immaginare come possano proporla per cinque stagioni. Forse semplicemente ricorrendo alla mancanza di scrupoli. Comunque, sono quelle cose autoconclusive anni ’90, con battute umane e divertenti, che se cerchi qualcosa di leggero è di certo la formula migliore. (3,5/5)Stessa strada battuta da Accidentally on Purpose, con Jenna Elfman critica cinematografica (ma non è che questo dettaglio sia molto sfruttato) ingravidata da un tizio più giovane. Il lavoro migliore lo fanno i personaggi secondari. (3/5)
Glee. Sul coro di un liceo americano. Tanti personaggi, molti ben fatti, si segue molto la storia, che non teme la riproposizione di cliché, si sorride, la qualità della puntata dipende principalmente da quella delle performance interne di canto e ballo. (3,5/5)Big Bang Theory. La vita di due nerd ossessionati dalle risate finte che scoppiano automaticamente ogni quattro secondi. (2/5)
Flash Forward. Pubblicizzato come il telefilm che impedirà il suicidio agli orfani di Lost, andando così in aperto conflitto con le più avvedute teorie darwiniste. Tutto il mondo sviene per 2 minuti e diciassette secondi, con inevitabili catastrofi annesse (aerei che si schiantano, uova pensate alla coque che passano irrimediabilmente a sode, e cose così), e durante il black out ciascuno ha la propria esperienza di quel che starà facendo sei mesi dopo, per quei due minuti e rotti. In realtà, se l’Uomo si vedesse in una determinata porzione di futuro e poi dovesse aspettare l’arrivo della stessa, tre quarti della popolazione mondiale avrebbe dovuto scoprirsi a fare ciao mamma, molti a guardarsi nervosamente le punte delle scarpe aspettando che il momento finisca, un nutrito gruppo per l’occasione si farebbe trovare vestito da Neo di Matrix per fare il figo. Paradossi a parte, anche se il meccanismo non è ancora chiaro, Flash Forward sembra meno ingessato di quanto facesse temere. (3,5/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 17:14 | link | commenti (41)
categorie: - fantascienza, - altro, - animazione, - azione, - comico, - commedia, - drammatico, - estremoriente, - fantastico, - musical, - serie
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Tokyo! (Michel Gondry, Leos Carax, Bong Joon-ho 2008)
Il tema dei tre mediometraggi che costituiscono Tokyo! È il rapporto dell’individuo col mondo, e in particolare con gli altri esseri umani. In tre registri differenti fra loro quanto lo sono i tre autori, si mette in scena il momento massimo di tensione del protagonista, costretto a fare i conti con le proprie debolezze (qui piuttosto patologiche) e a cambiare il proprio modo di relazionarsi con l’esterno. Il primo episodio è di Gondry. Io non amo Gondry, trovo che il suo sia cinema intellettualistico che diffonde la sua ragionata fantasia attraverso un meccanismo ricattatorio: ma guarda che matto che sono, guarda che tinte pastello e che sogni fanciulleschi; se non ti piaccio solo perché il mio immaginario è futilmente 
cerebrale e quando voglio far ridere non ci riesco, il tuo cuore è arido come una zolla di deserto. Interior Design si inserisce bene nell’atmosfera nipponica, segue la vita squattrinata di un aspirante regista (non male il suo film nel film, con visione tossica) e della sua compagna, per poi lasciarsi andare all’immaginario di cui sopra, aprendo ad una metamorfosi gondryana che indaga i compromessi che la ragazza è disposta a sopportare per sentirsi utile e accettata. Una sterzata violenta, che avrebbe meritato un'idea meno gongolante.
Leos Carax con Merde! firma l’episodio più volutamente sgradevole, forse il più riuscito. Inventa un sociopatico partorito dalle fogne che semina panico e distruzione per le vie di Tokyo. Merde è anche il nome con cui l’uomo si fa vezzosamente chiamare, e il suo distacco disumano è accentuato da particolari disgustosi (unghie lunghe e ricurve, occhi lattiginosi) e dall’uso di una lingua verbale e gestuale non più gradevole o raffinata. L’apporto di Carax al progetto è assurdo e disturbante fin dal principio, supportato da scelte visive e narrative piuttosto radicali, ed è l’unico del trittico che di certo non cerca la poesia.
Shaking Tokyo, ultimo segmento ad opera di Bong Joon-ho, segue le vicende di un hikikomori. Si tratta di persone che si rinchiudono in casa, di solito per dedicarsi completamente alla loro vita virtuale, costruita in rete o sui videogame. Il protagonista di Shaking Tokyo è più radicale, non cerca alcun contatto con l’esterno, neanche mediato, e la sua occupazione principale sta nella percezione dello scorrere del tempo. Su questo tema, non manca qualche bel dettaglio ossessivo: spostamenti minimi degli oggetti e della luce del sole, le settimane scandite da ordinate pile di cartoni per la pizza, altro. Anche per l’hikikomori arriva il momento dell’azione, la fine delle certezze e il cambiamento. Più minimale, geometrica e sospesa, la prova coreana è quella che gioca su solitudini più solite e immagini più familiarmente alienate, ed ha quindi gioco facile nel venire incontro alle aspettative.La media lunghezza si conferma un formato difficile da gestire. Nel trittico, tutti gli episodi riescono a costruire idee ed immagini singolarmente interessanti, ma presentano anche una certa enfasi (ciascuno la sua) e un’indulgenza verso le proprie formule espressive, come se ogni autore si fosse preoccupato prima di tutto di rendersi marchio riconoscibile.
(3/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 19:47 | link | commenti (9)
categorie: cinema, gondry michel, - altrocinema, - drammatico, - estremoriente, - fantastico, bong joon ho, carax leos
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Parnassus - l'uomo che voleva ingannare il diavolo (Terry Gilliam 2009)
Credo sia impossibile trovare della logica o una regola dietro la carriera artistica del troppo umano Terry Gilliam, evidentemente guidata dagli eventi, prima di tutto, e poi dagli umori, dall’ispirazione e dal caso. C’è chi prova a limitare l'influenza di questi fattori, mentre il cinema dell’ex Python è sempre una sorpresa dadaista, sempre giocato sulla confusione estetica e narrativa, e dalla confusione può emergere qualcosa di appena piacevole, oppure delle opere particolari e memorabili, significative forse al di là delle proprie intenzioni. The Imaginarium of Doctor Parnassus, lo dico con dolore, non rientra in questo secondo gruppo. È un film che aderisce perfettamente alle scelte caotiche del regista, dove si ritrovano atmosfere e immagini che richiamano I Banditi del Tempo, nel vagare cencioso dei personaggi, il Re Pescatore, nell’inserimento all’interno del contesto contemporaneo di eroi e idee favolistici e antichi, Il Barone di Münchausen, nel dare spazio a scene apertamente irreali, fino alle prime animazioni coi Monty Python, per le quali è stato probabilmente coniato il termine “grottesco”. A questa varietà d’impostazione ed ispirazione, si aggiungono importanti inserti in una computer grafica fantasiosa e colorata quanto poco curata, troppo grossolana per riuscire a diventare cifra stilistica. 
Parnassus ha in sé i temi ed i nomi necessari ad ottimo film, richiamando ancora il fascino e l’ambiguità della narrazione, legato a quello della dannazione; un po’ quello che il regista era riuscito a fare con Tideland, in modo più semplice ed efficace. L’imaginarium si svela più del solito, ma non affascina, perché cerca di nascondere dietro lo stupore e l'eccentricità le debolezze di una storia scritta senza troppa ispirazione, frammentata in una miriade di eventi e di ruoli che non trovano il raccordo con le scene precedenti e non lo assicurano alle successive. È quindi impossibile, per gli interpreti, dare corpo a dei personaggi che possano esprimere quella forza, anche semplice e immediata, di cui le favole hanno bisogno. Più memorabili e convincenti sono i due attori meno attori di tutti, che possono portare in scena direttamente loro stessi: Tom Waits, che non può evitare di essere le sue storie e le sue canzoni, grazie alle quali può vestire i panni di un diavolo quanto quelli di un angelo, e Lily Cole, brava nella recitazione e affascinate in un modo inquieto, per la particolarità del viso e della figura. (3/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 12:29 | link | commenti (14)
categorie: cinema, gilliam terry, - commedia, - drammatico, - fantastico
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Béla Tarr: Dannazione (Damnation/Kárhozat, 1987), L'Uomo di Londra (The Man from London/A Londoni Férfi, 2007)
Dopo una manciata di film più o meno introvabili, dove Tarr si avvicina ai volti dei suoi attori, ancora a colori e ancora umani, con la camera a mano, Damnation è la prima teorizzazione del cinema fotografico e universale, fatto di dettagli e pianisequenza, che caratterizzerà le sue produzioni future. Kárhozat è l'elaborazione del regista ungherese delle atmosfere noir, ancora sospese fra la costruzione dei personaggi e l’apertura ai luoghi e agli oggetti. Nel raccontare quella che da un certo punto di vista è una storia d’amore decaduta, che non riesce a trovare in sé alcuna giustificazione o bellezza, il regista ha ancora bisogno di costruire un luogo che si chiami Titanik Bar, sceglie di mostrare, nella parte centrale del suo film, un rapporto sessuale svuotato fino al ridicolo, chiude col protagonista che ringhia ad un cane randagio. Ancora, lascia che siano lunghi dialoghi a sottolineare e spiegare la povertà del mondo fin lì rappresentato. Nei film successivi Bela Tarr sentirà molto meno il bisogno di spiegarsi, ed avrà sviluppato il suo personalissimo modo di costringere il mondo a parlare per i suoi personaggi, di dar forma all’oppressione naturale del suo vuoto rumoroso.
Se Kárhozat, come in parte anche Satantango, si propone come successione di quadri ed eventi autonomi, L’Uomo di Londra, forte delle sue radici nel romanzo breve di Simenon (storia di omicidi e di una valigia piena di soldi), è l’opera narrativamente più classica e strutturalmente consequenziale di Bela Tarr. Ciò non esclude che il processo sia ormai compiuto, e che l’immagine sia di per sé significativa. Anzi, l’obbligo che ha il mondo di mostrare costantemente la sua essenza, il suo dolore, influisce a tal punto sui personaggi da impedire loro quella discesa che si può leggere nel romanzo, costringendoli e uniformandoli fin dall'inizio alla loro realtà. Se, da una parte, questo segna una distanza dall’intreccio originale, che presenta uomini e donne ai quali è ancora concessa una sofferenza interiore e persino una bellezza esteriore, dall’altra il film riesce in questo modo a cogliere le intenzioni profonde del romanzo, che pure preferisce guardare dall’alto la storia che racconta, rendendola una frazione rappresentativa di tutto ciò che la contiene. Tarr, assieme al solito cosceneggiatore László Krasznahorkai, estende ai personaggi de L’Uomo di Londra l’attesa passiva che già si trovava in Satantango e Le Armonie di Werckmeister. Nel fare questo, accentua la funzione dell’ispettore (interpretato da István Lénárt, un attore notevole), lo invecchia e gli conferisce quel ruolo cruciale che era stato, nei film precedenti, di Irimias e del Principe. Pur non condividendo la loro aura magica, l’ispettore ha un talento quasi ipnotico e il potere di decidere del destino del protagonista. Tutti gli altri attori sono, fin dalle prime inquadrature, sconfitti, invecchiati, anonimi, inevitabilmente brutti (persino Tilda Swinton), soffocati da una sconfitta che li priva di emozioni.
A formare ed ospitare la storia, gli sguardi e le mani grosse e rugose, le luci, la nebbia ed il buio di Tarr, in una dimensione più definita e concreta, ma sempre freddi e perfetti.
Dannazione: 3,5/5
L'Uomo di Londra: 4/5
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 21:07 | link | commenti (5)
categorie: cinema, - altrocinema, - drammatico, tarr bela
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X-Men le Origini: Wolverine (Gavin Hood 2009)
Ho visto questo film per un motivo sicuramente valido: mi mancava nell’elenco un titolo che iniziasse per “X”. Credevo sarebbe stato più abbordabile di X-files, ma devo dire che anche Wolverine di certo non è una passeggiata di salute. Nonostante non tratti il mio genere preferito, avevo un preconcetto positivo verso la Marvel. Sbagliato, perché mi è poi bastata una veloce ricerca per ricordarmi che una cosa come Elektra è solo del 2005 e Punisher addirittura del 2008; il che lascia intendere come, parallelamente a cose più curate come Spider/Iron Man, ci sia tutto un settore dedicato allo sviluppo di roba molto brutta e approssimativa. Anche il regista, Gavin Hood, sudafricano, s’è fatto conoscere con Il Suo Nome è Tsotsi, e allora è sbagliato anche formarsi preconcetti positivi verso l’Uomo. Poco da dire sul film, se non che inizia con la lettera giusta, perché per il resto è scritto senza voglia, girato senza voglia, persino i truccatori c’avevano un po’ le palle in mano. Il tutto, ha ovviamente portato a un ottimo successo di pubblico. A, c’è una scena bella quando…no, non c’è, è proprio un film triste.
(2/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 12:22 | link | commenti (15)
categorie: cinema, - fantascienza, - azione, - fantastico, hood gavin
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Up (Pete Docter, Bob Peterson 2009)
Io il film l’ho visto così,
seduto all’ultimo posto a destra della seconda fila. Ma è bello anche da lì.
Ad aprire l’appuntamento annuale con la Pixar, c’è uno dei loro migliori cortometraggi, Partly Cloudy, dove una cicogna impiegata nello smistamento di cuccioli e bambini, soffre della sua specializzazione nei nascituri delle bestie più infami, come squali, coccodrilli e simili. Tratto e storia tondeggianti e classici, è una cosa piccola e molto divertente, veloce, fulminante.
Vado al sodo, all’inevitabile quanto matura comparazione di Up col prodotto immediatamente precedente della casa madre, Wall-E (passati i sette anni, l’uomo sente il bisogno di incasellare le proprie esperienze in una progressione storica: fuori dalla serie non c’è salvezza). Wall-E è più bello; ma è anche la migliore opera occidentale d’animazione per il grande pubblico, probabilmente. Up non è altrettanto epocale, ma neanche ti fa pensare che alla Pixar abbiano voluto rilassarsi. Nel confronto coi generi, la fantascienza, per quella che è la sua storia, lascia forse più possibilità a digressioni e sottotesti, rispetto all'avventura.
Anche qui, nell’incipit c’è davvero tanto cinema, col crescere e l’invecchiare di Ellie e Carl, gli anni che passano scanditi dallo scorrere delle cravatte, come ne Il Cielo Può Attendere. Quindi il cuore del film, l’anziano Carl che intraprende il suo viaggio avventuroso col paffuto Giovane Esploratore Russell. Un viaggio avventuroso che ha come protagonisti un bambino ciccione e un vecchio con la faccia di Spencer Tracy, che non a caso non ha mai interpretato Allan Quatermain; come scrivevo, credo sia anche da queste scelte che si distinguano i film che mirano alto da quelli che giocano per il pareggio.
Quella centrale è la parte più fantasiosa e divertente, con la presentazione dei personaggi, l’interpretazione delle leggi fisiche, le interazioni generazionali. L’ultima parte è, per forza di cose, più immersa nella dinamica pura, ed è un’azione comunque ben costruita, per quanto mi sembrino un po’ forzati alcuni accostamenti a Miyazaki. Pur avendo in comune molto volo spericolato, Russell e Carl non condividono l’aerea leggerezza dei personaggi del maestro giapponese: più che abbandonarsi alle evoluzioni e agli elementi, le vicende di Up continuano a soffrire una certa gravità.
Pete Docter (soggettista di Wall-E, che condivide molto con Up nella costruzione del tempo e delle vicende) e Bob Peterson confermano le doti d’equilibrismo della Pixar, regalando ancora spessore ad un’opera narrativa e piena d’azione, dando vita a personaggi originali, capaci di esperienze e riflessioni semplici e affascinanti.
Un consiglio: lasciate stare il 3D. Poco sfruttato, serve solo a perdere in definizione e luminosità.
(4/5)
seduto all’ultimo posto a destra della seconda fila. Ma è bello anche da lì.
Ad aprire l’appuntamento annuale con la Pixar, c’è uno dei loro migliori cortometraggi, Partly Cloudy, dove una cicogna impiegata nello smistamento di cuccioli e bambini, soffre della sua specializzazione nei nascituri delle bestie più infami, come squali, coccodrilli e simili. Tratto e storia tondeggianti e classici, è una cosa piccola e molto divertente, veloce, fulminante.
Vado al sodo, all’inevitabile quanto matura comparazione di Up col prodotto immediatamente precedente della casa madre, Wall-E (passati i sette anni, l’uomo sente il bisogno di incasellare le proprie esperienze in una progressione storica: fuori dalla serie non c’è salvezza). Wall-E è più bello; ma è anche la migliore opera occidentale d’animazione per il grande pubblico, probabilmente. Up non è altrettanto epocale, ma neanche ti fa pensare che alla Pixar abbiano voluto rilassarsi. Nel confronto coi generi, la fantascienza, per quella che è la sua storia, lascia forse più possibilità a digressioni e sottotesti, rispetto all'avventura.Anche qui, nell’incipit c’è davvero tanto cinema, col crescere e l’invecchiare di Ellie e Carl, gli anni che passano scanditi dallo scorrere delle cravatte, come ne Il Cielo Può Attendere. Quindi il cuore del film, l’anziano Carl che intraprende il suo viaggio avventuroso col paffuto Giovane Esploratore Russell. Un viaggio avventuroso che ha come protagonisti un bambino ciccione e un vecchio con la faccia di Spencer Tracy, che non a caso non ha mai interpretato Allan Quatermain; come scrivevo, credo sia anche da queste scelte che si distinguano i film che mirano alto da quelli che giocano per il pareggio.
Quella centrale è la parte più fantasiosa e divertente, con la presentazione dei personaggi, l’interpretazione delle leggi fisiche, le interazioni generazionali. L’ultima parte è, per forza di cose, più immersa nella dinamica pura, ed è un’azione comunque ben costruita, per quanto mi sembrino un po’ forzati alcuni accostamenti a Miyazaki. Pur avendo in comune molto volo spericolato, Russell e Carl non condividono l’aerea leggerezza dei personaggi del maestro giapponese: più che abbandonarsi alle evoluzioni e agli elementi, le vicende di Up continuano a soffrire una certa gravità.
Pete Docter (soggettista di Wall-E, che condivide molto con Up nella costruzione del tempo e delle vicende) e Bob Peterson confermano le doti d’equilibrismo della Pixar, regalando ancora spessore ad un’opera narrativa e piena d’azione, dando vita a personaggi originali, capaci di esperienze e riflessioni semplici e affascinanti.
Un consiglio: lasciate stare il 3D. Poco sfruttato, serve solo a perdere in definizione e luminosità.
(4/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 20:00 | link | commenti (23)
categorie: - animazione, - azione, - fantastico, docter pete, peterson bob
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The Fall (Tarsem Singh 2006), The Piano Tuner of Earthquakes (Brothers Quay 2005)
Due film che si aprono con la presentazione di grossi nomi, David Fincher e Spike Jonze per The Fall, Terry Gilliam produttore esecutivo ne L’Accordatore di Terremoti. Due film che avrebbero probabilmente bisogno di studio e attenzione, ma che in qualche modo mi respingono, forse anche per dei colori definiti e digitali che indicheranno anche uno stile, abbatteranno anche i costi, ma somigliano troppo a quelli dell’ultrapiatto mondo in rete.Tarsem Singh sparì dopo il poco apprezzato The Cell, che pure qualcosa di buono ce l’aveva, non ultima una versione palpitante del cavallo affettato da Hirst. Ma c’era Jennifer Lopez, e tendenzialmente chi va a vedere Jennifer Lopez non ha voglia di vedere cavalli affettati, e viceversa. Non è un amante del cinema sobrio, Singh, ma qui trova una sceneggiatura più adeguata alle sue stravaganze estetiche, fatte di contaminazioni culturali, geografiche e temporali. Come The Cell, The Fall porta i suoi protagonisti prima in luoghi reali e poi fantastici, e le due dimensioni si completano e influenzano a vicenda. In un ospedale un ragazzo, rimasto paralizzato, racconta la sua storia e i suoi sentimentiad una bambina sdentata e grassoccia (in queste scelte una differenza sostanziale fra il cinema che ha aspirazioni artistiche e quello che ha Dakota Fanning), utilizzando
personaggi fiabeschi che assecondano, impotenti, il destino costruito dal loro narratore. The Fall è un film di personaggi immobilizzati e predestinati, perduti e intrappolati su isole e deserti, dove le illusioni ottiche accompagnano quelle narrative e le invenzioni visive cercano il surrealismo e l’iperbole. Di fronte alla cura nella ricerca di luoghi e spazi, sono ancora più inaspettati alcuni personaggi e certe scene d’azione che sembrano un po’ meccanici ed impacciati. Più radicale nell’ermetismo e simbolismo della fiaba, The Piano Tuner of Earthquakes, film che si perde nella sua presunzione d’artisticità. Innegabile, anche qui, il fascino di molte immagini, ed è notevole la suggestione delle animazioni a passo uno dei fratelli Quay. In una storia d’amore e morte ispirata a L'Invenzione di Morel, tutto sembra svolgersi in una palla di vetro, una gabbia che imprigiona personaggi rassegnati, dove i toni scuri e le immagini ricercate hanno il compito di esteriorizzare le pulsioni e le paure dei protagonisti. Film accurato e ambizioso, troppo spesso non riesce a dare tensione e interesse alle sue invenzioni visive.
The Fall: 3,5/5
The Piano Tuner of Earthquakes: 3/5
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 20:02 | link | commenti (4)
categorie: cinema, - altrocinema, - animazione, - azione, - drammatico, - fantastico, - sentimentale, singh tarsem, quay timothy, quay stephen
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Tom Waits: Glitter and Doom LIVE
Una delle ultime cose scritte su Titolo Provvisorio, nel periodo in cui il mio primo blog si avviava a diventare una discarica a cielo aperto, riguarda l'attesa del concerto di Waits a Milano, luglio 2008. Non ne è seguito alcun resoconto, e solo adesso riesco forse a rivelarne il perché. Perché il concerto all'Arcimboldi di Waits, costato qualche spicciolo in più di un totale ricambio del sangue, nonostante l'inevitabile bellezza, non è stato una cosa ENORME e INCREDIBILE e IRRIDUCIBILMENTE MEMORABILE. Nessuno ha il coraggio di ammetterlo, qualcuno è riuscito anche a negarlo completamente a se stesso, tanto da evitare realmente che il pensiero prendesse forma, ma il concerto non è stato all'altezza di Firenze '99, o di quel che si può ancora vedere in Big Time. Al primo posto fra le ragioni della non perfetta atmosfera, ci metto l'organizzazione del teatro di Milano, che giusto le puntate di Zelig può gestire. I miliziani ci hanno sorvegliato per durante tutto il concerto, sotto forma di guardie con giacca, spalle larghe e auricolare, che sedavano qualsiasi forma di entusiasmo. A dieci minuti dalla fine, un ragazzo che sul bis ha osato alzarsi e sculettare sguaiatamente e probabilmente in controtempo, è stato alzato di peso ed è sparito dietro oscure porticine laterali. A questo aggiungi che Waits era chiaramente sfiatato, reduce del PEHDTSCKJMBA, e tendeva a cantare tutto con un tono estremamente basso, che anche le canzoni in origine più incazzate, sono state arrangiate in una forma acustica un po' ruffianamente jazzy e non sufficientemente dissonante, che il posto migliore per cantare pezzi che parlano di alcool, perdenti e prostitute non è un teatro placcato oro di Milano, dove ricchi fossili hanno l'occasione per farsi vedere mentre fanno gli alternativi, che gran parte delle trovate sceniche riprendevano l'IMMENSO (quello sì) concerto di Firenze, che è mancata la canzone fiume come get behind the mule o sins of my father, che tutto il pubblico è stato davvero troppo pronto e troppo attento a non stonare, sul coro di innocent when you dream, per poter essere una cosa bella.
La verità è che una introduzione così lungamente disfattista non era prevista. In realtà avevo cominciato a scrivere questo pezzo sull'entusiasmo per il nuovo disco, in uscita il 24 novembre, e il nuovo sito di Waits, curato dalla anti-. La cosa drammatica è che non riesco ad essere spensieratamente entusiasta neanche per quanto riguarda l'artista che da 16 anni ho più ascoltato ed ammirato, e che continuo ininterrottamente ad ascoltare ed ammirare, e questo è probabilmente anche colpa sua, che mi ha tirato su con un'estinguibile vena d'amarezza.
Quel che volevo realmente dire è che sul sito ci sono un sacco di cose belle: foto, video, inteviste, e la possibilità di scaricare otto tracce alla più che dignitosa qualità di 320 kbps. I pezzi sembrano più interessanti e divertiti, rispetto la performance milanese, e spiccano una velocizzata behind the mule e una such a scream assurdamente funky. Il primo disco contiene 17 pezzi, il secondo le Tom Tales. In chiusura, la track list e la pazziella che permette di scaricare gli mp3.
01. Lucinda / Ain't Goin Down
02. Singapore
03. Get Behind The Mule
04. Fannin Street
05. Dirt In The Ground
06. Such A Scream
07. Live Circus
08. Goin' Out West
09. Falling Down
10. The Part You Throw Away
11. Trampled Rose
12. Metropolitan Glide
13. I'll Shoot The Moon
14. Green Grass
15. Make It Rain
16. Story
17. Lucky Day
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The Limits of Control (Jim Jarmusch 2009)
Anteprima libanese di Paolo "Pa" Paolone:
Venerdì scorso ho avuto la possibilità di vedere il film di Jarmusch qui a Beirut, nell'ambito del 9 Beirut International Film Festival. Ne parlo per solleticare la attenzione tua e di tutti gli altri lettori di questo splendido spazio. La rassegna è stata aperta il 7 Ottobre da F.F.Coppola che ha presentanto di persona il suo ultimo lavoro (la partecipazione a conferenza stampa e visione del film era su inviti, dei quali non me n'è arrivato nessuno!) e si chiuderà il 14 con le ultime pellicole di T.Kitano "Akiresu to Kame" e Ang Lee "Taking Woodstock", che spero di riuscire a vedere. Aggiungo il link della Rassegna.
Sebbene non credo di essere abbastanza capace nello scrivere un commento e per quanto, visto che se ne attende per l'autunno la proiezione in italia, non so quanto possa essere utile e/o adeguato presentarne uno riguardo il film di Jarmusch, vado avanti dicendo che l'ho trovato bellissimo, nella sua freddezza, nel suo distacco totale, nella sua plasticità ed artificiosità legata soprattutto ai particolari, alle manie ai modi di vestire, di camminare, di parlare dei personaggi, all'assurdità immotivata dei discorsi, nella sua ripetitività quasi ossessiva, nella sua costruzione attenta a dettagli infinitesimali eccezionalmente curati in una complessiva mancanza di senso assoluto delle azioni di tutti i figuranti e dell'intero svolgersi del film. Non c'è una trama, non si sanno i motivi, le ragioni, gli obiettivi, chi è buono, chi è cattivo, chi ha un tornaconto personale e chi ne ha uno assoluto, ma è lieve il lasciarsi accompagnare dall'assenza della trama nel susseguirsi di piccoli rituali, di riferimenti concreti ed astratti ad altri dettagli che nell'insieme non portano a nessuna struttura complessiva.
Il tutto si muove su di un viaggio tra Francia e Spagna con un occhio raffinato, manierista e assolutamente disinteressato a temi di promozione turistica (sebbene senza alcun senso come riferimento, l'Allen di Vicky Cristina Barcelona mi ritornava in mente come una zuppa di cipolle in gola), spezzoni girati in treno con banali giochi di luce elegantemente inseriti su fondali (non so se reali o aggiunti successivamente) di una suggestione disumana, tra pale eoliche imperiose e impressionanti come molossi, e scorci d'entroterra spagnolo completamente brulli e deserti, ideali per la freddezza e l'incomprensibilità dei personaggi che non hanno nessuna pretesa nè voglia di trasmettere a te spettatore chi sono, cosa ci fanno lì, e perchè.
Non per cattiveria, e non so neanche se la cosa, messa così, possa risultare attraente, ma sono sicuro che valga la pena vederlo appena possibile, e non vedo l'ora di poter godere delle parole tue e dei visitatori di questo piccolo regno. Intanto suggerisco una considerazione in cui mi sento più a mio agio, almeno come tema generale: il fatto che qui a Beirut siano arrivati già questi film (date un'occhiata al programma e alla lista di film selezionati), in un paese considerato (e questa considerazione, a me che ci sto da ormai quasi un anno, mi lascia molto di più di una perplessità) in via di sviluppo e pieno zeppo solo di terroristi islamici barbuti, mentre in Italia bisogna ancora attendere...
[UPDATE: invece la recensione di iosif è, finalmente, qui.]
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 12:33 | link | commenti (5)
categorie: cinema, jarmusch jim, - altrocinema, - drammatico
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Bastardi Senza Gloria (Quentin Tarantino 2009)
Un uomo barbuto e sudato che lo mette nel culo non consenziente di un grosso nero vendicativo, -parole crude.
Parole crude, papà, ho letto parole crude, urla al genitore che ecco di nuovo la purezza di mio figlio insidiata dalla microcritica cinematografica in rete. Dannati, siete voi i corruttori della nostra società, gr, ringhia.-
e De Niro che, sempre da dietro, ha un veloce rapporto con una poco partecipativa Bridget Fonda; prima della fine del film lui la ucciderà, e anche questo evento soffrirà di una certa mancanza di pathos. A memoria, sono queste le due scene esplicitamente sessuali contenute nel cinema di Tarantino. È la sua critica all’umanità, la privazione dell’atto sessuale, dell’amore, e della necessità di perpetuazione della specie; il regista si crede Superman e adopera i suoi film per esercitare il suo sguardo schifato sul mondo, con in più il piacere masochista di farne parte. Quello di Tarantino è cinema dell’estinzione, stupida e autoinflitta.
Ma com’è, com’è quest’ultimo film? Tarantino qui è davvero Superman. È altro da sé, è il cinema.
Bastardi Senza Gloria è la possibilità pienamente artistica del cinema narrativo, è la scrittura tesa e perfetta in coalescenza con l’immagine, ma senza usare parole stupide come coalescenza. C’era una volta, nella Francia occupata dai nazisti, e sul momento hai paura che abbia giocato con ciò che non può essere oggetto di gioco, ma dopo qualche minuto ti accorgi che tutto è ormai cinema, e il cinema riesce a racchiudere tutto. La storia (nel senso di ricordo delle principali vicende umane) di Bastardi Senza Gloria non è reinvenzione della stessa, ma storia nel cinema, gli attori non sono tali, ma personaggi della storia nel cinema, mossi prima di tutto dalle parole con cui formano il mondo. Dopo la frase iniziale, l’unico altro riferimento ad una narrazione indiretta, dove si dichiara che c’è qualcuno che sta raccontando e inventando la storia (nel senso di rappresentazione di specifiche vicende umane, per quanto legate al ricordo di alcune delle principali vicende umane), è nella spiegazione, resa con verbi al passato, dell’infiammabilità della pellicola con nitrato d’argento ("una volta la pellicola era così", ecc.), che sotto il suo didascalismo nasconde i confini delgli avvenimenti raccontati.
Per quanto ci possano essere sorrisi fra il regista e i movie preceduti da una qualsiasi lettera dalla bi alla zeta, il rapporto tra i due è esclusivamente platonico, perché in Bastardi Senza Gloria (e in altri film precedenti), non c’è niente dell’improvvisazione, della scarsità di mezzi (e spesso di capacità), del prevalere delle esigenze pratiche sull’idea del film, che sono le caratteristiche, a volte apprezzabili, dei b-movie. Mentre è molto più concreto il rapporto col cinema alto di Lubitsch, e tutti gli altrettanto geniali costruttori di dialoghi ed espressioni (mimiche e verbali), come il discepolo Wilder. Ma, aldilà di tutto, Tarantino fa il suo cinema moderno, senza quel post che in altre occasioni costruiva un concetto diventato riduttivo, e dimostra che per fare il nuovo cinema basta fare dell’ottimo cinema.
(5/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 19:44 | link | commenti (12)
categorie: cinema, tarantino quentin, - altrocinema, - azione, - commedia, - drammatico, - guerra
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Avatar: la Leggenda di Aang (Michael Dante DiMartino, Bryan Konietzko, 2005-2008)
Non ha niente a che fare con l’Avatar di Cameron, mentre ha molto a che fare con la trilogia, The Last Airbender, che sarà di Shyamalan. Avatar è una serie animata fantasy americana, modellata sugli anime giapponesi. In un mondo diviso in quattro regni, ciascuno caratterizzato da un elemento (aria, acqua, terra, fuoco) che può essere controllato da alcuni "dominatori", l’avatar, dodicenne dalle sembianze tibetane rimasto surgelato cento anni, nonché simbolo d'equilibrio, si oppone alla guerra di conquista del regno del fuoco. Il tipo di storia e il disegno, dai tratti netti e i colori pieni, porterebbero in un primo momento a credere che Avatar sia un prodotto esclusivamente per bambini. In realtà, pur essendo effettivamente un ottimo cartone per imberbi, la prima qualità che mutua dalle realizzazioni di Miyazaki, e dalla tendenza estremorientale a non limitare le possibilità di un’opera ad un solo target e ad un solo genere, è appunto nella capacità di sapersi rivolgere anche ad un pubblico adulto, costruendo storie e messaggi non banali con un linguaggio semplice.Durante le tre serie (61 puntate in tutto), identificate con tre libri e tre elementi differenti, seguiamo l’apprendistato di Aang, rivolto al dominio degli elementi, gli inevitabili conflitti, e l’evoluzione (la crescita) dei numerosi personaggi collaterali (o meglio comprimari), ciascuno con una precisa individualità e caratteristiche ben delineate e approfondite. La serie offre una visione ironica e disincantata anche dei momenti che rischierebbero di essere più (melo)drammatici, concedendo ai suoi protagonisti un’anima realistica, ma anche simbolicamente e poeticamente legata alla leggerezza della loro età.
Pur adoperando un disegno non molto dettagliato, specialmente nella raffigurazioni espressive e nei tratti somatici, non per questo meno comunicativi, l’animazione diventa particolarmente accurata e coinvolgente nella creazione degli scontri fra i protagonisti, tutti giocati sulla velocità e la plasticità delle figure. Molta inventiva e fantasia nei particolari si trova anche nelle differenti città e popolazioni, ognuna ispirata ad etnie e architetture reali rilette in chiave fantastica.
Il punto di riferimento primario, come detto, è Miyazaki, anche perché lo stesso Hayao offre da tempo la trasfigurazione più conosciuta e riuscita della filosofia e l’iconografia giapponese. Troviamo quindi personaggi, come il bisonte volante Appa e lo spirito dei boschi, apertamente ispirati al gatto-bus di Totoro e gli spiriti de La città Incantata e Principessa Mononoke, suggestioni come la passione per il volo e la leggerezza espressa dal movimento dei corpi, tematiche come l’amicizia, la
Con l’eccezione di una manciata di puntate della terza serie, dove Avatar diventa improvvisamente e misteriosamente un trito cartoon (o più spesso telefilm) occidentale adolescenziale, per poi rinsavire, gli autori riescono a tenere intatto il fascino e sveglia la curiosità durante tutta l’opera, che può produrre grave assuefazione e portare qualcuno, come me, a vederla in un tempo scandalosamente breve. Il fatto che alla fine di Avatar ci si senta un po’ tristi, a dover salutare personaggi ormai familiari, e la reazione istintivamente conservativa e negativa verso la trasfigurazione live di Shyamalan (Avatar è un cartone visivamente ricco, con M. Night si rischia di stare a vedere ombre di esseri bizzarri per ore…), sono altri elementi a favore di quest'avventura animata, a cui è facile affezionarsi.
(4/5)
Di seguito, un trailer un po' dopato e oblungo del cartone, e quello del film L'ultimo Dominatore dell'Aria, previsto per settembre 2010.
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 17:35 | link | commenti (9)
categorie: cinema, - animazione, - azione, - fantastico, dimartino michael dante, konietzko bryan, - serie
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