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Tulpan - la ragazza che non c'era (Sergei Dvortsevoy 2008)
Tulpan racconta la vita dei pastori kazaki, padroni e prigionieri del deserto, mentre cercano moglie (la sfuggente Tulpan, che non ama le orecchie a sventola del protagonista e aspirante marito), affrontano un’inattesa mortalità delle pecore, intonano con voce acuta canti tradizionali, sognano il mare. Tutto è ruvido, nel deserto kazako, la sabbia mossa dal vento in improvvisi mulinelli, che va a insinuarsi nel vello delle pecore, che sicuramente darà maglioni kazaki a loro volta maledettamente ruvidi. L’erba della steppa è sbiadita e pungente, le balle di fieno polverose, e quel che c’è da mangiare è inevitabilmente formaggio di pecora. Non è precisamente un film kazako, Tulpan, quanto piuttosto un film kazako per i festival internazionali, e possibilmente per il mercato estero. Dove può piacere, questa storia senza guizzi che si interroga sbrigativamente sull’opportunità di restare nella steppa o cercare fortuna in città, e si dilunga sui dettagli di una pecora che sgrava, e un agnello a cui va fatta la respirazione bocca a bocca. La scena più forte del film è, per molti, un evento solito e naturale, mentre il regista, bravo a mostrare la sua terra, i suoi colori e le sue piccole vicende, sa che per noi non è così.(3,5/5)
"Sono Comacchiese di Comacchio""Mangerai le anguille, quindi""Praticamente tutti i giorni" (A. Pazienza).
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 23:49 | link | commenti (8)
categorie: cinema, - altrocinema, - commedia, - documentario, - drammatico, dvortsevoy sergei
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Serialmente
Si dice ormai da tempo che le serie televisive siano spesso più curate dei film da cinema. È sicuramente vero che i nuovi telefilm hanno più pretese: sono ancora grossi meccanismi d’intrattenimento, ma ognuno cerca uno stile specifico, molti rincorrono scene registicamente originali, alcuni si impegnano in sceneggiature complesse con radicali cambi di registro e sforzi inventivi autentici.
Prima di scrivere quelle due parole sulle serie attualmente in masticazione, un paio di anime già digeriti, che mi sono piaciuti anche parecchio.
Ergo Proxy, Shukō Murase 2006, è un’anime di fantascienza in 23 episodi. È una di quelle cose complicate a base di cyborg che discettano sulla propria coscienza, memorie che spariscono, immortalità dubbie, regimi teocratici, amori e apocalissi. In alcuni temi ricorda Last Exile, anche se ha un andamento più cupo e un animo più speculativo. Molte delle puntate di Ergo Proxy hanno origine onirica, il che permette di giocare sulla confusione dei piani e sul riferimento a generi diversi, a seconda del personaggio e dalle circostanze da cui nascono i sogni. Ci sono episodi più strettamente sci-fi, altri che s’ispirano all’horror classico, o al minimalismo paranoico, alle fiabe, al mondo televisivo, ecc. Denso di rimandi interni ed esterni, non sempre tutto è chiaro; ne raccomandano almeno una seconda visione, ma neanche si può stare sei mesi a vedere solo Ergo Proxy, saltando avanti e indietro per le puntate. Comunque, dove si perde qualche passaggio si può lavorare di fantasia o far finta di niente, l’esperienza vale comunque la pena. (4/5)
Paranoia Agent è la serie di Satoshi Kon del 2004, in 13 agili puntate. Anche questa una storia abbastanza inquietante e contorta, dove s’indaga, in un mondo sempre meno reale, su un ragazzo sui rollerblade che colpisce con una mazza da baseball le persone disperate e depresse. Detta così, sembra un po’ una cazzata. Invece, come sappiamo, Kon ci sa fare, ed il suo scopo principale è la rappresentazione dell’alienazione del cittadino medio di Tokyo (e del cittadino consumista in generale), l’avvicinarsi a personaggi diversamente esasperati o dediti ad efferatezze. Non mancano alcune puntate deboli, che all’interno di una serie così breve si sarebbero potute evitare, e anche la soluzione finale è forse discutibile, nel cercare una logica e una concretezza che mette in discussione l’assurdità ricercata fino a quel momento, ma nel complesso è un lavoro particolare ed efficace. (3,5/5)
Andiamo alle serie vere e proprie, quelle che impazzano nel nostro occidente bisognoso di svago. Quasi tutte nuove di pacca.
Bored to Death è una cosa che in teoria dovrebbe piacermi parecchio. Ha un tono un po’ freddo, un andamento un po’ snob, e parla di Jason Schwartzman che fa lo scrittore o il detective con uguale mancanza di consapevolezza. E nel terzo episodio c’è un reiterato cameo di Jarmusch, che interpreta se stesso. Questo episodio lo conservo, e vedere Jim è sempre bello, però il tutto è molto meno interessante di quanto dovrebbe. Forse troppo meta meta. Forse Schwartzman a vederselo sempre davanti che fa il Woody Allen, stanca. Forse questo telefilm ispira troppi forse. (2,5/5)
Mad Men. L’inizio della terza serie è folgorante. Molto sottile, molto psicologica. Adesso sta tornando un po’ indietro. (3,5/5)
Alla Fine Arriva Mamma. So che esiste da parecchio, io lo vedo adesso. Pubblicizzato come il nuovo Friends, l’accostamento ci sta tutto. Una puntata ottima più o meno ogni cinque non malaccio, e la struttura di base è così
fissa che non riesco a immaginare come possano proporla per cinque stagioni. Forse semplicemente ricorrendo alla mancanza di scrupoli. Comunque, sono quelle cose autoconclusive anni ’90, con battute umane e divertenti, che se cerchi qualcosa di leggero è di certo la formula migliore. (3,5/5)
Stessa strada battuta da Accidentally on Purpose, con Jenna Elfman critica cinematografica (ma non è che questo dettaglio sia molto sfruttato) ingravidata da un tizio più giovane. Il lavoro migliore lo fanno i personaggi secondari. (3/5)
Glee. Sul coro di un liceo americano. Tanti personaggi, molti ben fatti, si segue molto la storia, che non teme la riproposizione di cliché, si sorride, la qualità della puntata dipende principalmente da quella delle performance interne di canto e ballo. (3,5/5)
Big Bang Theory. La vita di due nerd ossessionati dalle risate finte che scoppiano automaticamente ogni quattro secondi. (2/5)
Flash Forward. Pubblicizzato come il telefilm che impedirà il suicidio agli orfani di Lost, andando così in aperto conflitto con le più avvedute teorie darwiniste. Tutto il mondo sviene per 2 minuti e diciassette secondi, con inevitabili catastrofi annesse (aerei che si schiantano, uova pensate alla coque che passano irrimediabilmente a sode, e cose così), e durante il black out ciascuno ha la propria esperienza di quel che starà facendo sei mesi dopo, per quei due minuti e rotti. In realtà, se l’Uomo si vedesse in una determinata porzione di futuro e poi dovesse aspettare l’arrivo della stessa, tre quarti della popolazione mondiale avrebbe dovuto scoprirsi a fare ciao mamma, molti a guardarsi nervosamente le punte delle scarpe aspettando che il momento finisca, un nutrito gruppo per l’occasione si farebbe trovare vestito da Neo di Matrix per fare il figo. Paradossi a parte, anche se il meccanismo non è ancora chiaro, Flash Forward sembra meno ingessato di quanto facesse temere. (3,5/5)
Prima di scrivere quelle due parole sulle serie attualmente in masticazione, un paio di anime già digeriti, che mi sono piaciuti anche parecchio.
Ergo Proxy, Shukō Murase 2006, è un’anime di fantascienza in 23 episodi. È una di quelle cose complicate a base di cyborg che discettano sulla propria coscienza, memorie che spariscono, immortalità dubbie, regimi teocratici, amori e apocalissi. In alcuni temi ricorda Last Exile, anche se ha un andamento più cupo e un animo più speculativo. Molte delle puntate di Ergo Proxy hanno origine onirica, il che permette di giocare sulla confusione dei piani e sul riferimento a generi diversi, a seconda del personaggio e dalle circostanze da cui nascono i sogni. Ci sono episodi più strettamente sci-fi, altri che s’ispirano all’horror classico, o al minimalismo paranoico, alle fiabe, al mondo televisivo, ecc. Denso di rimandi interni ed esterni, non sempre tutto è chiaro; ne raccomandano almeno una seconda visione, ma neanche si può stare sei mesi a vedere solo Ergo Proxy, saltando avanti e indietro per le puntate. Comunque, dove si perde qualche passaggio si può lavorare di fantasia o far finta di niente, l’esperienza vale comunque la pena. (4/5)Paranoia Agent è la serie di Satoshi Kon del 2004, in 13 agili puntate. Anche questa una storia abbastanza inquietante e contorta, dove s’indaga, in un mondo sempre meno reale, su un ragazzo sui rollerblade che colpisce con una mazza da baseball le persone disperate e depresse. Detta così, sembra un po’ una cazzata. Invece, come sappiamo, Kon ci sa fare, ed il suo scopo principale è la rappresentazione dell’alienazione del cittadino medio di Tokyo (e del cittadino consumista in generale), l’avvicinarsi a personaggi diversamente esasperati o dediti ad efferatezze. Non mancano alcune puntate deboli, che all’interno di una serie così breve si sarebbero potute evitare, e anche la soluzione finale è forse discutibile, nel cercare una logica e una concretezza che mette in discussione l’assurdità ricercata fino a quel momento, ma nel complesso è un lavoro particolare ed efficace. (3,5/5)Andiamo alle serie vere e proprie, quelle che impazzano nel nostro occidente bisognoso di svago. Quasi tutte nuove di pacca.
Bored to Death è una cosa che in teoria dovrebbe piacermi parecchio. Ha un tono un po’ freddo, un andamento un po’ snob, e parla di Jason Schwartzman che fa lo scrittore o il detective con uguale mancanza di consapevolezza. E nel terzo episodio c’è un reiterato cameo di Jarmusch, che interpreta se stesso. Questo episodio lo conservo, e vedere Jim è sempre bello, però il tutto è molto meno interessante di quanto dovrebbe. Forse troppo meta meta. Forse Schwartzman a vederselo sempre davanti che fa il Woody Allen, stanca. Forse questo telefilm ispira troppi forse. (2,5/5)Mad Men. L’inizio della terza serie è folgorante. Molto sottile, molto psicologica. Adesso sta tornando un po’ indietro. (3,5/5)
Alla Fine Arriva Mamma. So che esiste da parecchio, io lo vedo adesso. Pubblicizzato come il nuovo Friends, l’accostamento ci sta tutto. Una puntata ottima più o meno ogni cinque non malaccio, e la struttura di base è così
fissa che non riesco a immaginare come possano proporla per cinque stagioni. Forse semplicemente ricorrendo alla mancanza di scrupoli. Comunque, sono quelle cose autoconclusive anni ’90, con battute umane e divertenti, che se cerchi qualcosa di leggero è di certo la formula migliore. (3,5/5)Stessa strada battuta da Accidentally on Purpose, con Jenna Elfman critica cinematografica (ma non è che questo dettaglio sia molto sfruttato) ingravidata da un tizio più giovane. Il lavoro migliore lo fanno i personaggi secondari. (3/5)
Glee. Sul coro di un liceo americano. Tanti personaggi, molti ben fatti, si segue molto la storia, che non teme la riproposizione di cliché, si sorride, la qualità della puntata dipende principalmente da quella delle performance interne di canto e ballo. (3,5/5)Big Bang Theory. La vita di due nerd ossessionati dalle risate finte che scoppiano automaticamente ogni quattro secondi. (2/5)
Flash Forward. Pubblicizzato come il telefilm che impedirà il suicidio agli orfani di Lost, andando così in aperto conflitto con le più avvedute teorie darwiniste. Tutto il mondo sviene per 2 minuti e diciassette secondi, con inevitabili catastrofi annesse (aerei che si schiantano, uova pensate alla coque che passano irrimediabilmente a sode, e cose così), e durante il black out ciascuno ha la propria esperienza di quel che starà facendo sei mesi dopo, per quei due minuti e rotti. In realtà, se l’Uomo si vedesse in una determinata porzione di futuro e poi dovesse aspettare l’arrivo della stessa, tre quarti della popolazione mondiale avrebbe dovuto scoprirsi a fare ciao mamma, molti a guardarsi nervosamente le punte delle scarpe aspettando che il momento finisca, un nutrito gruppo per l’occasione si farebbe trovare vestito da Neo di Matrix per fare il figo. Paradossi a parte, anche se il meccanismo non è ancora chiaro, Flash Forward sembra meno ingessato di quanto facesse temere. (3,5/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 17:14 | link | commenti (41)
categorie: - fantascienza, - altro, - animazione, - azione, - comico, - commedia, - drammatico, - estremoriente, - fantastico, - musical, - serie
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Tokyo! (Michel Gondry, Leos Carax, Bong Joon-ho 2008)
Il tema dei tre mediometraggi che costituiscono Tokyo! È il rapporto dell’individuo col mondo, e in particolare con gli altri esseri umani. In tre registri differenti fra loro quanto lo sono i tre autori, si mette in scena il momento massimo di tensione del protagonista, costretto a fare i conti con le proprie debolezze (qui piuttosto patologiche) e a cambiare il proprio modo di relazionarsi con l’esterno. Il primo episodio è di Gondry. Io non amo Gondry, trovo che il suo sia cinema intellettualistico che diffonde la sua ragionata fantasia attraverso un meccanismo ricattatorio: ma guarda che matto che sono, guarda che tinte pastello e che sogni fanciulleschi; se non ti piaccio solo perché il mio immaginario è futilmente 
cerebrale e quando voglio far ridere non ci riesco, il tuo cuore è arido come una zolla di deserto. Interior Design si inserisce bene nell’atmosfera nipponica, segue la vita squattrinata di un aspirante regista (non male il suo film nel film, con visione tossica) e della sua compagna, per poi lasciarsi andare all’immaginario di cui sopra, aprendo ad una metamorfosi gondryana che indaga i compromessi che la ragazza è disposta a sopportare per sentirsi utile e accettata. Una sterzata violenta, che avrebbe meritato un'idea meno gongolante.
Leos Carax con Merde! firma l’episodio più volutamente sgradevole, forse il più riuscito. Inventa un sociopatico partorito dalle fogne che semina panico e distruzione per le vie di Tokyo. Merde è anche il nome con cui l’uomo si fa vezzosamente chiamare, e il suo distacco disumano è accentuato da particolari disgustosi (unghie lunghe e ricurve, occhi lattiginosi) e dall’uso di una lingua verbale e gestuale non più gradevole o raffinata. L’apporto di Carax al progetto è assurdo e disturbante fin dal principio, supportato da scelte visive e narrative piuttosto radicali, ed è l’unico del trittico che di certo non cerca la poesia.
Shaking Tokyo, ultimo segmento ad opera di Bong Joon-ho, segue le vicende di un hikikomori. Si tratta di persone che si rinchiudono in casa, di solito per dedicarsi completamente alla loro vita virtuale, costruita in rete o sui videogame. Il protagonista di Shaking Tokyo è più radicale, non cerca alcun contatto con l’esterno, neanche mediato, e la sua occupazione principale sta nella percezione dello scorrere del tempo. Su questo tema, non manca qualche bel dettaglio ossessivo: spostamenti minimi degli oggetti e della luce del sole, le settimane scandite da ordinate pile di cartoni per la pizza, altro. Anche per l’hikikomori arriva il momento dell’azione, la fine delle certezze e il cambiamento. Più minimale, geometrica e sospesa, la prova coreana è quella che gioca su solitudini più solite e immagini più familiarmente alienate, ed ha quindi gioco facile nel venire incontro alle aspettative.La media lunghezza si conferma un formato difficile da gestire. Nel trittico, tutti gli episodi riescono a costruire idee ed immagini singolarmente interessanti, ma presentano anche una certa enfasi (ciascuno la sua) e un’indulgenza verso le proprie formule espressive, come se ogni autore si fosse preoccupato prima di tutto di rendersi marchio riconoscibile.
(3/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 19:47 | link | commenti (9)
categorie: cinema, gondry michel, - altrocinema, - drammatico, - estremoriente, - fantastico, bong joon ho, carax leos
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Parnassus - l'uomo che voleva ingannare il diavolo (Terry Gilliam 2009)
Credo sia impossibile trovare della logica o una regola dietro la carriera artistica del troppo umano Terry Gilliam, evidentemente guidata dagli eventi, prima di tutto, e poi dagli umori, dall’ispirazione e dal caso. C’è chi prova a limitare l'influenza di questi fattori, mentre il cinema dell’ex Python è sempre una sorpresa dadaista, sempre giocato sulla confusione estetica e narrativa, e dalla confusione può emergere qualcosa di appena piacevole, oppure delle opere particolari e memorabili, significative forse al di là delle proprie intenzioni. The Imaginarium of Doctor Parnassus, lo dico con dolore, non rientra in questo secondo gruppo. È un film che aderisce perfettamente alle scelte caotiche del regista, dove si ritrovano atmosfere e immagini che richiamano I Banditi del Tempo, nel vagare cencioso dei personaggi, il Re Pescatore, nell’inserimento all’interno del contesto contemporaneo di eroi e idee favolistici e antichi, Il Barone di Münchausen, nel dare spazio a scene apertamente irreali, fino alle prime animazioni coi Monty Python, per le quali è stato probabilmente coniato il termine “grottesco”. A questa varietà d’impostazione ed ispirazione, si aggiungono importanti inserti in una computer grafica fantasiosa e colorata quanto poco curata, troppo grossolana per riuscire a diventare cifra stilistica. 
Parnassus ha in sé i temi ed i nomi necessari ad ottimo film, richiamando ancora il fascino e l’ambiguità della narrazione, legato a quello della dannazione; un po’ quello che il regista era riuscito a fare con Tideland, in modo più semplice ed efficace. L’imaginarium si svela più del solito, ma non affascina, perché cerca di nascondere dietro lo stupore e l'eccentricità le debolezze di una storia scritta senza troppa ispirazione, frammentata in una miriade di eventi e di ruoli che non trovano il raccordo con le scene precedenti e non lo assicurano alle successive. È quindi impossibile, per gli interpreti, dare corpo a dei personaggi che possano esprimere quella forza, anche semplice e immediata, di cui le favole hanno bisogno. Più memorabili e convincenti sono i due attori meno attori di tutti, che possono portare in scena direttamente loro stessi: Tom Waits, che non può evitare di essere le sue storie e le sue canzoni, grazie alle quali può vestire i panni di un diavolo quanto quelli di un angelo, e Lily Cole, brava nella recitazione e affascinate in un modo inquieto, per la particolarità del viso e della figura. (3/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 12:29 | link | commenti (14)
categorie: cinema, gilliam terry, - commedia, - drammatico, - fantastico
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Béla Tarr: Dannazione (Damnation/Kárhozat, 1987), L'Uomo di Londra (The Man from London/A Londoni Férfi, 2007)
Dopo una manciata di film più o meno introvabili, dove Tarr si avvicina ai volti dei suoi attori, ancora a colori e ancora umani, con la camera a mano, Damnation è la prima teorizzazione del cinema fotografico e universale, fatto di dettagli e pianisequenza, che caratterizzerà le sue produzioni future. Kárhozat è l'elaborazione del regista ungherese delle atmosfere noir, ancora sospese fra la costruzione dei personaggi e l’apertura ai luoghi e agli oggetti. Nel raccontare quella che da un certo punto di vista è una storia d’amore decaduta, che non riesce a trovare in sé alcuna giustificazione o bellezza, il regista ha ancora bisogno di costruire un luogo che si chiami Titanik Bar, sceglie di mostrare, nella parte centrale del suo film, un rapporto sessuale svuotato fino al ridicolo, chiude col protagonista che ringhia ad un cane randagio. Ancora, lascia che siano lunghi dialoghi a sottolineare e spiegare la povertà del mondo fin lì rappresentato. Nei film successivi Bela Tarr sentirà molto meno il bisogno di spiegarsi, ed avrà sviluppato il suo personalissimo modo di costringere il mondo a parlare per i suoi personaggi, di dar forma all’oppressione naturale del suo vuoto rumoroso.
Se Kárhozat, come in parte anche Satantango, si propone come successione di quadri ed eventi autonomi, L’Uomo di Londra, forte delle sue radici nel romanzo breve di Simenon (storia di omicidi e di una valigia piena di soldi), è l’opera narrativamente più classica e strutturalmente consequenziale di Bela Tarr. Ciò non esclude che il processo sia ormai compiuto, e che l’immagine sia di per sé significativa. Anzi, l’obbligo che ha il mondo di mostrare costantemente la sua essenza, il suo dolore, influisce a tal punto sui personaggi da impedire loro quella discesa che si può leggere nel romanzo, costringendoli e uniformandoli fin dall'inizio alla loro realtà. Se, da una parte, questo segna una distanza dall’intreccio originale, che presenta uomini e donne ai quali è ancora concessa una sofferenza interiore e persino una bellezza esteriore, dall’altra il film riesce in questo modo a cogliere le intenzioni profonde del romanzo, che pure preferisce guardare dall’alto la storia che racconta, rendendola una frazione rappresentativa di tutto ciò che la contiene. Tarr, assieme al solito cosceneggiatore László Krasznahorkai, estende ai personaggi de L’Uomo di Londra l’attesa passiva che già si trovava in Satantango e Le Armonie di Werckmeister. Nel fare questo, accentua la funzione dell’ispettore (interpretato da István Lénárt, un attore notevole), lo invecchia e gli conferisce quel ruolo cruciale che era stato, nei film precedenti, di Irimias e del Principe. Pur non condividendo la loro aura magica, l’ispettore ha un talento quasi ipnotico e il potere di decidere del destino del protagonista. Tutti gli altri attori sono, fin dalle prime inquadrature, sconfitti, invecchiati, anonimi, inevitabilmente brutti (persino Tilda Swinton), soffocati da una sconfitta che li priva di emozioni.
A formare ed ospitare la storia, gli sguardi e le mani grosse e rugose, le luci, la nebbia ed il buio di Tarr, in una dimensione più definita e concreta, ma sempre freddi e perfetti.
Dannazione: 3,5/5
L'Uomo di Londra: 4/5
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 21:07 | link | commenti (5)
categorie: cinema, - altrocinema, - drammatico, tarr bela
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X-Men le Origini: Wolverine (Gavin Hood 2009)
Ho visto questo film per un motivo sicuramente valido: mi mancava nell’elenco un titolo che iniziasse per “X”. Credevo sarebbe stato più abbordabile di X-files, ma devo dire che anche Wolverine di certo non è una passeggiata di salute. Nonostante non tratti il mio genere preferito, avevo un preconcetto positivo verso la Marvel. Sbagliato, perché mi è poi bastata una veloce ricerca per ricordarmi che una cosa come Elektra è solo del 2005 e Punisher addirittura del 2008; il che lascia intendere come, parallelamente a cose più curate come Spider/Iron Man, ci sia tutto un settore dedicato allo sviluppo di roba molto brutta e approssimativa. Anche il regista, Gavin Hood, sudafricano, s’è fatto conoscere con Il Suo Nome è Tsotsi, e allora è sbagliato anche formarsi preconcetti positivi verso l’Uomo. Poco da dire sul film, se non che inizia con la lettera giusta, perché per il resto è scritto senza voglia, girato senza voglia, persino i truccatori c’avevano un po’ le palle in mano. Il tutto, ha ovviamente portato a un ottimo successo di pubblico. A, c’è una scena bella quando…no, non c’è, è proprio un film triste.
(2/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 12:22 | link | commenti (15)
categorie: cinema, - fantascienza, - azione, - fantastico, hood gavin
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Up (Pete Docter, Bob Peterson 2009)
Io il film l’ho visto così,
seduto all’ultimo posto a destra della seconda fila. Ma è bello anche da lì.
Ad aprire l’appuntamento annuale con la Pixar, c’è uno dei loro migliori cortometraggi, Partly Cloudy, dove una cicogna impiegata nello smistamento di cuccioli e bambini, soffre della sua specializzazione nei nascituri delle bestie più infami, come squali, coccodrilli e simili. Tratto e storia tondeggianti e classici, è una cosa piccola e molto divertente, veloce, fulminante.
Vado al sodo, all’inevitabile quanto matura comparazione di Up col prodotto immediatamente precedente della casa madre, Wall-E (passati i sette anni, l’uomo sente il bisogno di incasellare le proprie esperienze in una progressione storica: fuori dalla serie non c’è salvezza). Wall-E è più bello; ma è anche la migliore opera occidentale d’animazione per il grande pubblico, probabilmente. Up non è altrettanto epocale, ma neanche ti fa pensare che alla Pixar abbiano voluto rilassarsi. Nel confronto coi generi, la fantascienza, per quella che è la sua storia, lascia forse più possibilità a digressioni e sottotesti, rispetto all'avventura.
Anche qui, nell’incipit c’è davvero tanto cinema, col crescere e l’invecchiare di Ellie e Carl, gli anni che passano scanditi dallo scorrere delle cravatte, come ne Il Cielo Può Attendere. Quindi il cuore del film, l’anziano Carl che intraprende il suo viaggio avventuroso col paffuto Giovane Esploratore Russell. Un viaggio avventuroso che ha come protagonisti un bambino ciccione e un vecchio con la faccia di Spencer Tracy, che non a caso non ha mai interpretato Allan Quatermain; come scrivevo, credo sia anche da queste scelte che si distinguano i film che mirano alto da quelli che giocano per il pareggio.
Quella centrale è la parte più fantasiosa e divertente, con la presentazione dei personaggi, l’interpretazione delle leggi fisiche, le interazioni generazionali. L’ultima parte è, per forza di cose, più immersa nella dinamica pura, ed è un’azione comunque ben costruita, per quanto mi sembrino un po’ forzati alcuni accostamenti a Miyazaki. Pur avendo in comune molto volo spericolato, Russell e Carl non condividono l’aerea leggerezza dei personaggi del maestro giapponese: più che abbandonarsi alle evoluzioni e agli elementi, le vicende di Up continuano a soffrire una certa gravità.
Pete Docter (soggettista di Wall-E, che condivide molto con Up nella costruzione del tempo e delle vicende) e Bob Peterson confermano le doti d’equilibrismo della Pixar, regalando ancora spessore ad un’opera narrativa e piena d’azione, dando vita a personaggi originali, capaci di esperienze e riflessioni semplici e affascinanti.
Un consiglio: lasciate stare il 3D. Poco sfruttato, serve solo a perdere in definizione e luminosità.
(4/5)
seduto all’ultimo posto a destra della seconda fila. Ma è bello anche da lì.
Ad aprire l’appuntamento annuale con la Pixar, c’è uno dei loro migliori cortometraggi, Partly Cloudy, dove una cicogna impiegata nello smistamento di cuccioli e bambini, soffre della sua specializzazione nei nascituri delle bestie più infami, come squali, coccodrilli e simili. Tratto e storia tondeggianti e classici, è una cosa piccola e molto divertente, veloce, fulminante.
Vado al sodo, all’inevitabile quanto matura comparazione di Up col prodotto immediatamente precedente della casa madre, Wall-E (passati i sette anni, l’uomo sente il bisogno di incasellare le proprie esperienze in una progressione storica: fuori dalla serie non c’è salvezza). Wall-E è più bello; ma è anche la migliore opera occidentale d’animazione per il grande pubblico, probabilmente. Up non è altrettanto epocale, ma neanche ti fa pensare che alla Pixar abbiano voluto rilassarsi. Nel confronto coi generi, la fantascienza, per quella che è la sua storia, lascia forse più possibilità a digressioni e sottotesti, rispetto all'avventura.Anche qui, nell’incipit c’è davvero tanto cinema, col crescere e l’invecchiare di Ellie e Carl, gli anni che passano scanditi dallo scorrere delle cravatte, come ne Il Cielo Può Attendere. Quindi il cuore del film, l’anziano Carl che intraprende il suo viaggio avventuroso col paffuto Giovane Esploratore Russell. Un viaggio avventuroso che ha come protagonisti un bambino ciccione e un vecchio con la faccia di Spencer Tracy, che non a caso non ha mai interpretato Allan Quatermain; come scrivevo, credo sia anche da queste scelte che si distinguano i film che mirano alto da quelli che giocano per il pareggio.
Quella centrale è la parte più fantasiosa e divertente, con la presentazione dei personaggi, l’interpretazione delle leggi fisiche, le interazioni generazionali. L’ultima parte è, per forza di cose, più immersa nella dinamica pura, ed è un’azione comunque ben costruita, per quanto mi sembrino un po’ forzati alcuni accostamenti a Miyazaki. Pur avendo in comune molto volo spericolato, Russell e Carl non condividono l’aerea leggerezza dei personaggi del maestro giapponese: più che abbandonarsi alle evoluzioni e agli elementi, le vicende di Up continuano a soffrire una certa gravità.
Pete Docter (soggettista di Wall-E, che condivide molto con Up nella costruzione del tempo e delle vicende) e Bob Peterson confermano le doti d’equilibrismo della Pixar, regalando ancora spessore ad un’opera narrativa e piena d’azione, dando vita a personaggi originali, capaci di esperienze e riflessioni semplici e affascinanti.
Un consiglio: lasciate stare il 3D. Poco sfruttato, serve solo a perdere in definizione e luminosità.
(4/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 20:00 | link | commenti (23)
categorie: - animazione, - azione, - fantastico, docter pete, peterson bob
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The Fall (Tarsem Singh 2006), The Piano Tuner of Earthquakes (Brothers Quay 2005)
Due film che si aprono con la presentazione di grossi nomi, David Fincher e Spike Jonze per The Fall, Terry Gilliam produttore esecutivo ne L’Accordatore di Terremoti. Due film che avrebbero probabilmente bisogno di studio e attenzione, ma che in qualche modo mi respingono, forse anche per dei colori definiti e digitali che indicheranno anche uno stile, abbatteranno anche i costi, ma somigliano troppo a quelli dell’ultrapiatto mondo in rete.Tarsem Singh sparì dopo il poco apprezzato The Cell, che pure qualcosa di buono ce l’aveva, non ultima una versione palpitante del cavallo affettato da Hirst. Ma c’era Jennifer Lopez, e tendenzialmente chi va a vedere Jennifer Lopez non ha voglia di vedere cavalli affettati, e viceversa. Non è un amante del cinema sobrio, Singh, ma qui trova una sceneggiatura più adeguata alle sue stravaganze estetiche, fatte di contaminazioni culturali, geografiche e temporali. Come The Cell, The Fall porta i suoi protagonisti prima in luoghi reali e poi fantastici, e le due dimensioni si completano e influenzano a vicenda. In un ospedale un ragazzo, rimasto paralizzato, racconta la sua storia e i suoi sentimentiad una bambina sdentata e grassoccia (in queste scelte una differenza sostanziale fra il cinema che ha aspirazioni artistiche e quello che ha Dakota Fanning), utilizzando
personaggi fiabeschi che assecondano, impotenti, il destino costruito dal loro narratore. The Fall è un film di personaggi immobilizzati e predestinati, perduti e intrappolati su isole e deserti, dove le illusioni ottiche accompagnano quelle narrative e le invenzioni visive cercano il surrealismo e l’iperbole. Di fronte alla cura nella ricerca di luoghi e spazi, sono ancora più inaspettati alcuni personaggi e certe scene d’azione che sembrano un po’ meccanici ed impacciati. Più radicale nell’ermetismo e simbolismo della fiaba, The Piano Tuner of Earthquakes, film che si perde nella sua presunzione d’artisticità. Innegabile, anche qui, il fascino di molte immagini, ed è notevole la suggestione delle animazioni a passo uno dei fratelli Quay. In una storia d’amore e morte ispirata a L'Invenzione di Morel, tutto sembra svolgersi in una palla di vetro, una gabbia che imprigiona personaggi rassegnati, dove i toni scuri e le immagini ricercate hanno il compito di esteriorizzare le pulsioni e le paure dei protagonisti. Film accurato e ambizioso, troppo spesso non riesce a dare tensione e interesse alle sue invenzioni visive.
The Fall: 3,5/5
The Piano Tuner of Earthquakes: 3/5
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 20:02 | link | commenti (4)
categorie: cinema, - altrocinema, - animazione, - azione, - drammatico, - fantastico, - sentimentale, singh tarsem, quay timothy, quay stephen
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Tom Waits: Glitter and Doom LIVE
Una delle ultime cose scritte su Titolo Provvisorio, nel periodo in cui il mio primo blog si avviava a diventare una discarica a cielo aperto, riguarda l'attesa del concerto di Waits a Milano, luglio 2008. Non ne è seguito alcun resoconto, e solo adesso riesco forse a rivelarne il perché. Perché il concerto all'Arcimboldi di Waits, costato qualche spicciolo in più di un totale ricambio del sangue, nonostante l'inevitabile bellezza, non è stato una cosa ENORME e INCREDIBILE e IRRIDUCIBILMENTE MEMORABILE. Nessuno ha il coraggio di ammetterlo, qualcuno è riuscito anche a negarlo completamente a se stesso, tanto da evitare realmente che il pensiero prendesse forma, ma il concerto non è stato all'altezza di Firenze '99, o di quel che si può ancora vedere in Big Time. Al primo posto fra le ragioni della non perfetta atmosfera, ci metto l'organizzazione del teatro di Milano, che giusto le puntate di Zelig può gestire. I miliziani ci hanno sorvegliato per durante tutto il concerto, sotto forma di guardie con giacca, spalle larghe e auricolare, che sedavano qualsiasi forma di entusiasmo. A dieci minuti dalla fine, un ragazzo che sul bis ha osato alzarsi e sculettare sguaiatamente e probabilmente in controtempo, è stato alzato di peso ed è sparito dietro oscure porticine laterali. A questo aggiungi che Waits era chiaramente sfiatato, reduce del PEHDTSCKJMBA, e tendeva a cantare tutto con un tono estremamente basso, che anche le canzoni in origine più incazzate, sono state arrangiate in una forma acustica un po' ruffianamente jazzy e non sufficientemente dissonante, che il posto migliore per cantare pezzi che parlano di alcool, perdenti e prostitute non è un teatro placcato oro di Milano, dove ricchi fossili hanno l'occasione per farsi vedere mentre fanno gli alternativi, che gran parte delle trovate sceniche riprendevano l'IMMENSO (quello sì) concerto di Firenze, che è mancata la canzone fiume come get behind the mule o sins of my father, che tutto il pubblico è stato davvero troppo pronto e troppo attento a non stonare, sul coro di innocent when you dream, per poter essere una cosa bella.
La verità è che una introduzione così lungamente disfattista non era prevista. In realtà avevo cominciato a scrivere questo pezzo sull'entusiasmo per il nuovo disco, in uscita il 24 novembre, e il nuovo sito di Waits, curato dalla anti-. La cosa drammatica è che non riesco ad essere spensieratamente entusiasta neanche per quanto riguarda l'artista che da 16 anni ho più ascoltato ed ammirato, e che continuo ininterrottamente ad ascoltare ed ammirare, e questo è probabilmente anche colpa sua, che mi ha tirato su con un'estinguibile vena d'amarezza.
Quel che volevo realmente dire è che sul sito ci sono un sacco di cose belle: foto, video, inteviste, e la possibilità di scaricare otto tracce alla più che dignitosa qualità di 320 kbps. I pezzi sembrano più interessanti e divertiti, rispetto la performance milanese, e spiccano una velocizzata behind the mule e una such a scream assurdamente funky. Il primo disco contiene 17 pezzi, il secondo le Tom Tales. In chiusura, la track list e la pazziella che permette di scaricare gli mp3.
01. Lucinda / Ain't Goin Down
02. Singapore
03. Get Behind The Mule
04. Fannin Street
05. Dirt In The Ground
06. Such A Scream
07. Live Circus
08. Goin' Out West
09. Falling Down
10. The Part You Throw Away
11. Trampled Rose
12. Metropolitan Glide
13. I'll Shoot The Moon
14. Green Grass
15. Make It Rain
16. Story
17. Lucky Day
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The Limits of Control (Jim Jarmusch 2009)
Anteprima libanese di Paolo "Pa" Paolone:
Venerdì scorso ho avuto la possibilità di vedere il film di Jarmusch qui a Beirut, nell'ambito del 9 Beirut International Film Festival. Ne parlo per solleticare la attenzione tua e di tutti gli altri lettori di questo splendido spazio. La rassegna è stata aperta il 7 Ottobre da F.F.Coppola che ha presentanto di persona il suo ultimo lavoro (la partecipazione a conferenza stampa e visione del film era su inviti, dei quali non me n'è arrivato nessuno!) e si chiuderà il 14 con le ultime pellicole di T.Kitano "Akiresu to Kame" e Ang Lee "Taking Woodstock", che spero di riuscire a vedere. Aggiungo il link della Rassegna.
Sebbene non credo di essere abbastanza capace nello scrivere un commento e per quanto, visto che se ne attende per l'autunno la proiezione in italia, non so quanto possa essere utile e/o adeguato presentarne uno riguardo il film di Jarmusch, vado avanti dicendo che l'ho trovato bellissimo, nella sua freddezza, nel suo distacco totale, nella sua plasticità ed artificiosità legata soprattutto ai particolari, alle manie ai modi di vestire, di camminare, di parlare dei personaggi, all'assurdità immotivata dei discorsi, nella sua ripetitività quasi ossessiva, nella sua costruzione attenta a dettagli infinitesimali eccezionalmente curati in una complessiva mancanza di senso assoluto delle azioni di tutti i figuranti e dell'intero svolgersi del film. Non c'è una trama, non si sanno i motivi, le ragioni, gli obiettivi, chi è buono, chi è cattivo, chi ha un tornaconto personale e chi ne ha uno assoluto, ma è lieve il lasciarsi accompagnare dall'assenza della trama nel susseguirsi di piccoli rituali, di riferimenti concreti ed astratti ad altri dettagli che nell'insieme non portano a nessuna struttura complessiva.
Il tutto si muove su di un viaggio tra Francia e Spagna con un occhio raffinato, manierista e assolutamente disinteressato a temi di promozione turistica (sebbene senza alcun senso come riferimento, l'Allen di Vicky Cristina Barcelona mi ritornava in mente come una zuppa di cipolle in gola), spezzoni girati in treno con banali giochi di luce elegantemente inseriti su fondali (non so se reali o aggiunti successivamente) di una suggestione disumana, tra pale eoliche imperiose e impressionanti come molossi, e scorci d'entroterra spagnolo completamente brulli e deserti, ideali per la freddezza e l'incomprensibilità dei personaggi che non hanno nessuna pretesa nè voglia di trasmettere a te spettatore chi sono, cosa ci fanno lì, e perchè.
Non per cattiveria, e non so neanche se la cosa, messa così, possa risultare attraente, ma sono sicuro che valga la pena vederlo appena possibile, e non vedo l'ora di poter godere delle parole tue e dei visitatori di questo piccolo regno. Intanto suggerisco una considerazione in cui mi sento più a mio agio, almeno come tema generale: il fatto che qui a Beirut siano arrivati già questi film (date un'occhiata al programma e alla lista di film selezionati), in un paese considerato (e questa considerazione, a me che ci sto da ormai quasi un anno, mi lascia molto di più di una perplessità) in via di sviluppo e pieno zeppo solo di terroristi islamici barbuti, mentre in Italia bisogna ancora attendere...
[UPDATE: invece la recensione di iosif è, finalmente, qui.]
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 12:33 | link | commenti (5)
categorie: cinema, jarmusch jim, - altrocinema, - drammatico
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Bastardi Senza Gloria (Quentin Tarantino 2009)
Un uomo barbuto e sudato che lo mette nel culo non consenziente di un grosso nero vendicativo, -parole crude.
Parole crude, papà, ho letto parole crude, urla al genitore che ecco di nuovo la purezza di mio figlio insidiata dalla microcritica cinematografica in rete. Dannati, siete voi i corruttori della nostra società, gr, ringhia.-
e De Niro che, sempre da dietro, ha un veloce rapporto con una poco partecipativa Bridget Fonda; prima della fine del film lui la ucciderà, e anche questo evento soffrirà di una certa mancanza di pathos. A memoria, sono queste le due scene esplicitamente sessuali contenute nel cinema di Tarantino. È la sua critica all’umanità, la privazione dell’atto sessuale, dell’amore, e della necessità di perpetuazione della specie; il regista si crede Superman e adopera i suoi film per esercitare il suo sguardo schifato sul mondo, con in più il piacere masochista di farne parte. Quello di Tarantino è cinema dell’estinzione, stupida e autoinflitta.
Ma com’è, com’è quest’ultimo film? Tarantino qui è davvero Superman. È altro da sé, è il cinema.
Bastardi Senza Gloria è la possibilità pienamente artistica del cinema narrativo, è la scrittura tesa e perfetta in coalescenza con l’immagine, ma senza usare parole stupide come coalescenza. C’era una volta, nella Francia occupata dai nazisti, e sul momento hai paura che abbia giocato con ciò che non può essere oggetto di gioco, ma dopo qualche minuto ti accorgi che tutto è ormai cinema, e il cinema riesce a racchiudere tutto. La storia (nel senso di ricordo delle principali vicende umane) di Bastardi Senza Gloria non è reinvenzione della stessa, ma storia nel cinema, gli attori non sono tali, ma personaggi della storia nel cinema, mossi prima di tutto dalle parole con cui formano il mondo. Dopo la frase iniziale, l’unico altro riferimento ad una narrazione indiretta, dove si dichiara che c’è qualcuno che sta raccontando e inventando la storia (nel senso di rappresentazione di specifiche vicende umane, per quanto legate al ricordo di alcune delle principali vicende umane), è nella spiegazione, resa con verbi al passato, dell’infiammabilità della pellicola con nitrato d’argento ("una volta la pellicola era così", ecc.), che sotto il suo didascalismo nasconde i confini delgli avvenimenti raccontati.
Per quanto ci possano essere sorrisi fra il regista e i movie preceduti da una qualsiasi lettera dalla bi alla zeta, il rapporto tra i due è esclusivamente platonico, perché in Bastardi Senza Gloria (e in altri film precedenti), non c’è niente dell’improvvisazione, della scarsità di mezzi (e spesso di capacità), del prevalere delle esigenze pratiche sull’idea del film, che sono le caratteristiche, a volte apprezzabili, dei b-movie. Mentre è molto più concreto il rapporto col cinema alto di Lubitsch, e tutti gli altrettanto geniali costruttori di dialoghi ed espressioni (mimiche e verbali), come il discepolo Wilder. Ma, aldilà di tutto, Tarantino fa il suo cinema moderno, senza quel post che in altre occasioni costruiva un concetto diventato riduttivo, e dimostra che per fare il nuovo cinema basta fare dell’ottimo cinema.
(5/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 19:44 | link | commenti (12)
categorie: cinema, tarantino quentin, - altrocinema, - azione, - commedia, - drammatico, - guerra
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Avatar: la Leggenda di Aang (Michael Dante DiMartino, Bryan Konietzko, 2005-2008)
Non ha niente a che fare con l’Avatar di Cameron, mentre ha molto a che fare con la trilogia, The Last Airbender, che sarà di Shyamalan. Avatar è una serie animata fantasy americana, modellata sugli anime giapponesi. In un mondo diviso in quattro regni, ciascuno caratterizzato da un elemento (aria, acqua, terra, fuoco) che può essere controllato da alcuni "dominatori", l’avatar, dodicenne dalle sembianze tibetane rimasto surgelato cento anni, nonché simbolo d'equilibrio, si oppone alla guerra di conquista del regno del fuoco. Il tipo di storia e il disegno, dai tratti netti e i colori pieni, porterebbero in un primo momento a credere che Avatar sia un prodotto esclusivamente per bambini. In realtà, pur essendo effettivamente un ottimo cartone per imberbi, la prima qualità che mutua dalle realizzazioni di Miyazaki, e dalla tendenza estremorientale a non limitare le possibilità di un’opera ad un solo target e ad un solo genere, è appunto nella capacità di sapersi rivolgere anche ad un pubblico adulto, costruendo storie e messaggi non banali con un linguaggio semplice.Durante le tre serie (61 puntate in tutto), identificate con tre libri e tre elementi differenti, seguiamo l’apprendistato di Aang, rivolto al dominio degli elementi, gli inevitabili conflitti, e l’evoluzione (la crescita) dei numerosi personaggi collaterali (o meglio comprimari), ciascuno con una precisa individualità e caratteristiche ben delineate e approfondite. La serie offre una visione ironica e disincantata anche dei momenti che rischierebbero di essere più (melo)drammatici, concedendo ai suoi protagonisti un’anima realistica, ma anche simbolicamente e poeticamente legata alla leggerezza della loro età.
Pur adoperando un disegno non molto dettagliato, specialmente nella raffigurazioni espressive e nei tratti somatici, non per questo meno comunicativi, l’animazione diventa particolarmente accurata e coinvolgente nella creazione degli scontri fra i protagonisti, tutti giocati sulla velocità e la plasticità delle figure. Molta inventiva e fantasia nei particolari si trova anche nelle differenti città e popolazioni, ognuna ispirata ad etnie e architetture reali rilette in chiave fantastica.
Il punto di riferimento primario, come detto, è Miyazaki, anche perché lo stesso Hayao offre da tempo la trasfigurazione più conosciuta e riuscita della filosofia e l’iconografia giapponese. Troviamo quindi personaggi, come il bisonte volante Appa e lo spirito dei boschi, apertamente ispirati al gatto-bus di Totoro e gli spiriti de La città Incantata e Principessa Mononoke, suggestioni come la passione per il volo e la leggerezza espressa dal movimento dei corpi, tematiche come l’amicizia, la
Con l’eccezione di una manciata di puntate della terza serie, dove Avatar diventa improvvisamente e misteriosamente un trito cartoon (o più spesso telefilm) occidentale adolescenziale, per poi rinsavire, gli autori riescono a tenere intatto il fascino e sveglia la curiosità durante tutta l’opera, che può produrre grave assuefazione e portare qualcuno, come me, a vederla in un tempo scandalosamente breve. Il fatto che alla fine di Avatar ci si senta un po’ tristi, a dover salutare personaggi ormai familiari, e la reazione istintivamente conservativa e negativa verso la trasfigurazione live di Shyamalan (Avatar è un cartone visivamente ricco, con M. Night si rischia di stare a vedere ombre di esseri bizzarri per ore…), sono altri elementi a favore di quest'avventura animata, a cui è facile affezionarsi.
(4/5)
Di seguito, un trailer un po' dopato e oblungo del cartone, e quello del film L'ultimo Dominatore dell'Aria, previsto per settembre 2010.
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 17:35 | link | commenti (9)
categorie: cinema, - animazione, - azione, - fantastico, dimartino michael dante, konietzko bryan, - serie
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Gli Inguardabili n.13: Barbarossa (Renzo Martinelli 2009), obiezione di coscienza.
Non sarà particolarmente originale, fortunatamente, prendersela col Barbarossa di Martinelli, il kolossal italiano costato quanto un District 9 (a noi queste altre cose qui ci piace produrre, che ci volete fare?), ma in questo caso, più che di un pregiudizio di inguardabilità sul film, si tratta proprio di un’esigenza di dissociazione. Con lo stesso schifo che si prova per per Calderoli, per Miss Padania, per lo sguardo ottuso di Salvini, le ampolle del Po, il disinfettante per gli extracomunitari, i roghi delle case degli extracomunitari, i discorsi smozzicati di Bossi, l’odio per i terroni, l’amore per l’evasione fiscale, il culo nudo di Borghezio in kilt, la faccia nuda di Castelli al tg2, con lo stesso sentimento sento il bisogno di rigettare l’esistenza di questo film. Con Raz Degan che grida libbuertàà, Rutger Hauer che estingue il mutuo e lo stesso Martinelli, che fra un ammanigliamento a Bossi e uno a Berlusconi, mentre rilascia attestati di stima alla Lega e alle ronde, va poi a girare in Romania perché (parole testuali) “lo zingarume rumeno” è molto più economico. Martinelli, l’autore di film come Vajont e Carnera (ma, per dire, io a questo film qui non pagherei il biglietto neanche se l'avesse diretto Kubrick), che ogni volta fanno spargere la voce che si sia trovato il leggendario regista che trasforma in merda tutto ciò che tocca. Stavolta s'è trovato nel suo elemento.
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 13:49 | link | commenti (20)
categorie: cinema, - gli inguardabili
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L'era Glaciale 3 - L'alba dei Dinosauri (Carlos Saldanah 2009)
L’era Glaciale 3 si presta a un piccolo esperimento di speleologia cinematografica. L’esigenza e la curiosità nascono dall’essenza stessa del film, che è brutta. Il terzo capitolo dell’era glaciale è essenzialmente brutto, lo scrivo nelle prime righe, per chi fosse alla ricerca di un parere qualitativo sintetico e immediato. Volendo indagare un po’ sotto la crosta del film, per attribuire qualche responsabilità, scopriamo che il regista Saldanha non è l’ultimo degli imbucati all’interno della serie: ha collaborato al primo (che ha una sua identità) e diretto il secondo (inferiore, ma dignitoso). Poi, se al regista del filmone milionario in CGI è ancora imputabile qualche responsabilità sulla resa tecnica e visiva dello stesso, L’alba dei Dinosauri, da questo punto di vista, ne esce bene.
Aguzzando ancora la vista, potremo scorgere i realizzatori, spesso dimenticati, di soggetto e sceneggiatura. La serie Ice Age presenta in tutti gli episodi un lungo elenco di scrittori, variabile da un film all’altro, ma con l’eccezione del ritorno, nel terzo capitolo, dei due sceneggiatori Ackerman e Berg, autori del primo Era Glaciale. Questa sì che è una notizia destabilizzante: le due opere più diverse hanno in comune gli scrittori. A meno di non voler irrealisticamente dare tutta la responsabilità al soggettista Jason Carter Eaton, questa breve indagine ci insegna che anche la riuscita di una grossa produzione, che spende nella realizzazione tecnica gran parte del suo budget, ancora dipende dall’ispirazione personale. Ci insegna che il genio umano è volubile. Che la coerenza immobile che tendiamo ad assegnare ai creatori di cinema è un espediente a cui facciamo ricorso per semplificare una realtà complessa. Che in sette anni chiunque può cambiare visione della vita e del proprio lavoro. Che le conseguenza sono diffuse, ma le responsabilità possono essere individuali. E, infine, che L’era Glaciale 3 annoierà molto chiunque abbia più di dodici anni.
Personaggi sempre più antropomorfizzati (perché il mammuthino del primo barriva e questo invece piange?) e vicini al grado zero dei film d’azione (quelli con Brendan Fraser, per intenderci), citazionismo gratuito per buttare un osso anche ai maggiorenni (Moby Dick, I Flintstones, tanto tanto Jurassic Park…ma perché, di per sé, una citazione dovrebbe essere divertente?), e lo scoiattolo che in principio era simpatico, ma che ha ampiamente spolpato il suo quarto d’ora di celebrità. Imbocca il viale del tramonto, Scrat. E portati dietro tutti i dinosauri, e il fuoco, e l’evoluzione. Stanno finendo anche gli anni '00, e ha vinto il Creazionismo, fatevene una ragione.
Io il primo Ice Age lo vidi perché nel dvd faceva da contorno al corto di Wedge del 1998, Bunny, toccante e molto bello, e non solo perché ha la colonna sonora di Tom Waits. Eccolo.
(2/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 15:50 | link | commenti (6)
categorie: cinema, - video, - animazione, - azione, - comico, - fantastico, saldanah carlos, wedge chris
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District 9 (Neill Blomkamp 2009)
In breve: proprio sopra Johannesburg parcheggia un grosso UFO (chissà se si può continuare a chiamarlo così, anche dopo che l'hai decisamente identificato come un UFO). Dentro ci sono alieni (esuli? profughi? coloni?) che per la loro somiglianza ai gamberoni vengono chiamati “gamberoni”. Vengono trattati male, reclusi e discriminati; quindi anche i “gamberoni”, a un certo punto s’incazzano. Un alto funzionario umano viene infettato e comincia a perdere i pezzi, trasformandosi gradualmente in un “gamberone”. Non mancano incongruenze interne, ma si fa facilmente finta di niente.Considerazioni etiche: District 9 è un film giusto, che spinge anche il più ignaro degli spettatori di film di fantascienza che si siano giovati di grosse campagne di marketing, a tifare per gli alieni. Su queste solide fondamenta di giustizia, il regista Neill Blomkamp, che è anche sceneggiatore e la sa lunga, costruisce un ottimo film d’azione.
Considerazioni estetiche: i “gamberoni”, che sono tipo degli Zoidberg realistici, sono resi alla perfezione, e così tutti gli specialissimi effetti. Una delle più convincenti performance del digitale, anche rispetto a film da ben altro budget. L’alternanza fra riprese non ortodosse con soggettive da camera a mano, videocamere di sorveglianza, telefonini e quant’altro, nonché classico sguardo esterno, trascinano lo spettatore in un mondo che mischia il viscidume di Cronenberg (letterali le citazioni dalla metamorfosi de La Mosca, eXistenZiali molti corpi e fluidi, Scanneristiche le svariate esplosioni di teste) alla polvere del Sud Africa. Peter Jackson ha prodotto un film migliore di quelli che è abituato a dirigere.
Considerazioni d’opportunità pratica: chi volesse andarlo a vedere, magari spinto dal potente marketing sopra citato, sappia che District 9 non è un film innocuo, come non lo sono i film di Crononberg, Tsukamoto, ed altri casi in cui i corpi tendono a non conservare la propria integrità.
(4/5)
postato in SlowFilm da: iosif alle ore 17:03 | link | commenti (15)
categorie: cinema, - fantascienza, - azione, - drammatico, - horror, blomkamp neill
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